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Shepard Fairey. 3 decades of dissent

Agli inizi di ottobre, ho avuto il piacere di recarmi alla Galleria d’Arte Moderna di Roma per vedere la mostra di Shepard Fairey, street artist di fama internazionale. Si tratta di un progetto espositivo esclusivo, curato dallo stesso Shepard congiuntamente a Claudio Crescentini, Federica Pirani e la Wunderkammerm Gallery.

Gli ultimi mesi sono stati caratterizzati dalle sempre più stringenti misure di contenimento della pandemia, che hanno richiesto il sacrificio di molti settori, tra cui quello artistico, con la chiusura di tutti i musei. Tengo così vicino a me il ricordo di questa mostra, nell’attesa della riapertura dei centri culturali, ninfa vitale, a mio parere, di tutti noi.

La “legge del dissenso”

Shepard Fairey è un urban artist, divenuto famoso in tutto il mondo grazie alla sua campagna di sticker iniziata nel 1989. Le sue opere, di forte impronta social-politica, denotano una spiccata sensibilità dell’artista nei confronti di temi come la violenza contro le donne, discriminazione razziale, integrazione, pace nel mondo, infanzia violata.

Attraverso le sue raffigurazioni, trasmette messaggi di grande impatto visivo, chiari ed incisivi, che non lasciano scelta allo spettatore se non quella di recepire quanto egli vuole comunicare, ma soprattutto ad interrogarsi. Ciò che trovo affascinante è che le opere di Fairey si sono fatte spazio all’interno di un mondo artistico, quello contemporaneo, caratterizzato sempre più da opere con chiavi di lettura polivalenti, o spesso di difficile comprensione.

La street art, invece, riesce a mettere in scena una sorta di ritorno al passato, ad un’arte più immediata, quasi alla stregua delle opere che possiamo trovare nelle chiese medievali, dove anche l’analfabeta aveva modo di comprendere ciò che l’opera voleva/doveva comunicare; allo stesso modo gli stencil utilizzati dall’artista sono in grado di comunicare con qualsiasi tipo di pubblico, anche quello completamente a digiuno nei confronti delle nuove correnti di arte contemporanea. Lui definisce l’arte come una “legge del dissenso”, la quale deve avere una funzione prima di tutto pubblica.

Curiosa, però, è la nascita del famoso sticker “Obey Giant”, raffigurante il wrestler Andrè the Giant, con la scritta “obbedisci”, Shepard, infatti, ha dichiarato che in realtà tale creazione non ha particolari significati nascosti, è stato solo frutto di una sorta di sfida con un suo compagno universitario. La speranza di Fairey è comunque quella che lo spettatore, interrogandosi riguardo al vero significato dello sticker, applichi lo stesso spirito critico ad ogni contenuto visivo che gli viene sottoposto, smettendo di accettare passivamente tutto ciò che vede senza farsi domande, ma reagendo attivamente. La scritta “OBEYche campeggia sotto il volto del gigante è un trucco di psicologia inversa: non obbedire, fatti domande, ribellati al sistema.

Le interferenze d’arte, una connessione di temi

Il tema del dissenso alla Galleria d’Arte Moderna va a connettersi con opere di altri artisti, l’esposizione infatti, chiamata Interferenze d’Arte, si caratterizza per l’accostamento di capolavori di vari artisti, che esprimono gli stessi valori.

A mio parere questo non sempre risulta evidente e alcune opere, più che al tema di fondo caro a Fairey, sembrano essere accumunate soltanto da similitudini decorative; questo è particolarmente evidente nei casi dei ritratti femminili e delle composizioni floreali. 

Quando ci si ritrova di fronte all’intenso, ma in fondo manieristico, olio di Giacomo Balla, Il Dubbio, ritratto di Elisa moglie dell’artista, non risulta chiara la vicinanza con il poster Defend the dignity di Shepard, ritratto di Maribel Valdez Gonzalez, facente parte delle serigrafie “We The People”, in risposta diretta ai sentimenti xenofobi, razzisti e anti-immigrati.

Sarebbe risultata sicuramente utile una didascalia esplicativa “dell’interferenza” che dovrebbe legare le opere selezionate e messe a confronto. Si alternano così accostamenti che riescono effettivamente a caricare ed enfatizzare il messaggio che vuole essere trasmesso, ad altri molto meno chiari.

In mostra per le Interferenze d’arte opere di: Claudio Abate, Carla Accardi, Giacomo Balla, Domenico Belli, Felice Casorati, Emanuele Cavalli, Primo Conti, Nino Costa, Giorgio de Chirico, Fortunato Depero, Antonio Donghi, Francesco Guerrieri, Virgilio Guidi, Renato Guttuso, Fabio Mauri, Cipriani Efisio Oppo, Pino Pascali, Luca Maria Patella, Fausto Pirandello, Giuseppe Salvatori, Mario Schifano, Scipione, Mario Sironi, Giulio Turcato e altri artisti.

-Elisa Ciaffi

La ricerca non ha dato alcun esito positivo. Riprova inserendo altri termini
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Cruor, la personale di Renata Rampazzi

È stata inaugurata di recente a Roma Cruor, mostra che il museo Carlo Bilotti – spazio espositivo nato, dopo decenni di degrado e usi impropri, all’interno dell’Aranciera di Villa Borghese, dalla generosità del signor Bilotti, la cui collezione vanta 22 opere tra dipinti, disegni e sculture – dedica a Renata Rampazzi, accompagnata nella curatela da Claudio Strianti. La pittrice astrattista approfondisce la delicata tematica della violenza di genere, attraverso la realizzazione di 14 tele, nelle quali terra e pigmenti si mescolano insieme dando vita ad immagini che evocano la deturpazione del corpo femminile.

Le opere in mostra

In un piccolo ambiente si sviluppa la ricerca dell’artista in un susseguirsi di ampie tele, caratterizzate da vaste campiture, nelle quali la Rampazzi ha saputo utilizzare sapientemente la spatola per donare alle immagini carica allusiva. Accanto a queste, vi sono poi opere dalle minori dimensioni ma ugualmente persuasive. A dominare in ognuna è la metafora del sangue, declinato con differenti gradazioni del colore rosso, dalla più tenue a quella più vivida. La Rampazzi, con il metodo del dripping, crea macchie e filamenti che rimandano con forza brutale alle lacerazioni e mutilazioni delle parti più intime e private della donna. Lo spettatore viene inevitabilmente indotto ad immergersi emotivamente nella realtà prospettata dai quadri; è così condotto a riflettere sulla tragica realtà delle offese e sofferenze delle vittime di fronte alla sopraffazione maschile.

Il viaggio del visitatore giunge al suo apice con l’ultima opera esposta; si tratta di un’installazione che lo coinvolge anche fisicamente, attraverso un percorso a ritroso all’interno dell’utero femminile: veniamo infatti invitati ad addentrarci in un labirinto di garze e teli che pendono dalla parete sovrastante, intrisi di un rosso cupo, accompagnati costantemente dalle musiche di Minassian, Ligeti e Gerbarec, udibili in sottofondo, che contribuiscono ancor più a rendere inquietante lo spazio circostante.

“Cruor – sangue sparso di donne” al museo Carlo Bilotti
L’intento dell’artista

Il messaggio che la Rampazzi vuole comunicare emerge con potenza ed evidente urgenza dalle meravigliose ma allo stesso tempo angoscianti tele. La giovane pittrice appartiene infatti a quella categoria di artisti dediti all’astrazione concepita come contenuto e significato, non solo come ornamento e composizione. La mostra rappresenta il suo grido personale, la sua opera di denuncia verso comportamenti e azioni ancora generalmente taciuti ma che costituiscono un fenomeno che inquina tristemente la nostra società attuale.

Ruolo catartico dell’Arte

L’arte è uno strumento comunicativo ineguagliabile in quanto capace di scuotere gli animi di una platea eterogena di spettatori. La Rampazzi riesce nel suo intento con una mostra dal contenuto fortemente disturbante che permette al pubblico di attivare processi critici e genera costernazione.  Non si tratta di un semplice susseguirsi di immagini, il visitatore ha l’occasione di intraprendere un viaggio dentro e fuori il corpo femminile. Invito chiunque a prendere parte a questa esperienza sensoriale, in particolar modo il pubblico maschile. Ancora una volta l’arte contemporanea si pone al centro del dibattitto sociale e si avvalora il pensiero della capostipite delle arti figurative Marina Abramović, ”The beautiful or not beautiful is not important, have to be true.”

-Rebecca Linguanti


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Danza e pittura: una grande storia d’amore

Lo spettacolo di danza contemporanea Alma Tadema, coreografato da Ricky Bonavita con la compagnia Excursus e le musiche di Francesco Ziello, è un omaggio al pittore vittoriano del XIX secolo Lawrence Alma Tadema. L’arte che incontra l’arte: un connubio perfetto tra danza e pittura, rappresentato sul palco del Teatro Vascello di Roma, venerdì 15 novembre 2019.

Sulla scena sei danzatori hanno ripreso i soggetti dei quadri di Alma Tadema, proiettati sullo sfondo, attraverso una narrazione episodica che ha dato luce alla ricostruzione della storia dell’antico mondo romano tra decadenza e fastosità. Una danza travolgente in cui ogni ballerino è stato protagonista dei diversi episodi, alternandosi in assolo e pezzi corali. Lo spettacolo è un prodotto della riflessione del coreografo sull’importanza dell’antichità e del suo ricordo nel presente. Si tratta di un viaggio di immagini trasposte attraverso i movimenti del corpo sul palco, in cui non mancano momenti di enfasi performativa volti a stupire e far riflettere  il pubblico. Le scene di maggior rilievo hanno visto sempre protagoniste le 3 danzatrici (centrale il ruolo della donna), che mostrano il loro carattere trasgressivo con danze e richiami sessuali.

Ciò che ha colpito profondamente è la professionalità, la morbidezza dei movimenti dei danzatori i cui corpi volteggiavano nello spazio, seguendo le melodie che hanno arricchito la performance; notevole è stata la capacità espressiva dei danzatori anche attraverso la mimica facciale che ha confermato la valenza pantomimica della danza. Le coreografie hanno previsto una scena iniziale collettiva, con il susseguirsi di assolo, duetti, trio interamente maschile o femminile e altre parti corali.

74614778_2309158842727857_3700041487153627136_n.jpgRicky Bonavita

Il pubblico, composto da varie fasce d’età, è rimasto ipnotizzato in religioso silenzio per l’intera durata dello spettacolo; al termine, è seguito uno scrosciante applauso per i danzatori e il coreografo. A due amanti e studiose della danza come noi ha affascinato la genialità nella reinterpretazione dei quadri da parte di Ricky Bonavita. Ancora una volta abbiamo avuto la conferma del potere della danza che, una volta iniziato lo spettacolo, ci ha completamente estraniate dal mondo esterno rendendoci partecipi e stupefatte allo stesso tempo dell’intero capolavoro.

 

-Martina Sarcina, Giada Gambula

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Disturbi – Teatro Ivelise

Buio, poi una tenue luce rossa che inquadra una sagoma femminile giacente a terra e nell’angolo un’altra figura attende composta il suo turno. Sullo sfondo invece uno schermo sul quale viene proiettato un caleidoscopio di immagini e suoni discordanti, interrotti da una voce femminile: glaciale, pungente, sibillina. Nel segno di questo schema triadico ci si immerge nella realtà di Disturbi, diretto da Olivia Balzar e tratto dal romanzo Disturbi di personalità dell’autrice pugliese, romana di adozione, Ilaria Palomba, a cui abbiamo avuto il piacere di assistere al Teatro Ivelise domenica 10 novembre (terza giornata di replica e pure di sold out!).

Perseguitata da paure e incertezze, la protagonista (interpretata brillantemente da Luisa Paradiso) s’imbatte in due amori fugaci, (Giacomo di Biasio e Davide Cherubini), immersa in una spasmodica ricerca di equilibrio che si sublima nella passione e nella tensione erotica. L’antidoto e il veleno, lo zenit e il nadir; due sagome imperfette, perciò complementari l’un l’altra, ma entrambe incapaci di donare la serenità e la completezza di cui la protagonista sente necessità e che saprà infine raggiungere altroveIl tutto si svolge sotto gli occhi vigili e onnipresenti dell‘Oracolo (di cui veste i panni Joe Filippi), un omaggio allo spirito ellenico e alla tradizione delfica; resta immobile sul suo trono ma interviene contrastando le tre ombre, figure vestite di nero allegoria della coscienza individuale, una coscienza corrotta, violata dai meccanismi di una società che umilia e mortifica l’essere umano.

Alla protagonista si accompagna una voce interiore, impalpabile e immaginaria, il suo disturbo. Sin da subito la donna mostra i chiari sintomi di un disturbo borderline: autolesionismo, abuso di farmaci, tentativi di suicidio e rabbia improvvisa, questo spiega anche la sua difficoltà di stabilire un rapporto duraturo nel tempo, probabilmente dovuta a quel trauma infantile che sin dall’inizio viene narrato.

Evocato solo nella mente e mai presente in scena è il “ragazzo delle altalene”, figura cardine del tortuoso sentiero che ha condotto la protagonista verso una singolare e cangiante follia, a volte dissimulata, altre fin troppo ostentata, la cui violenza inflitta nella prima adolescenza innesca un pericoloso meccanismo di dominazione e subordinazione, ostinato e tenace tentativo di riassumere il controllo del proprio corpo, violato nella carne e nella psiche.

Questa rappresentazione in un unico atto riesce ad emozionare e allo stesso tempo offrire validi spunti di riflessione. Un plauso va alla regia per la scelta brillante dei temi che hanno accompagnato l’intera esecuzione, tra tutti “The End” (superlativo brano dei Doors), le cui sonorità psichedeliche e ridondanti fanno da cornice all’atmosfera sospesa, onirica, all’interno della quale prende vita l’intreccio dei personaggi coinvolti. I disturbi mentali continuano ad essere minimizzati nella società odierna e non vi è informazione adeguata; la storia rappresentata è solamente una delle tante, questo spettacolo è riuscito a dar voce non solo ad una ragazza, ma a tutte le persone che soffrono e cercano disperatamente una via di fuga.

Disturbi nasce dall’esigenza intima di mettere a nudo gli archetipi di una società che spesso si rivela pessima nutrice ed eccellente carnefice, dalla quale ci è concessa la fuga ma non la piena assoluzione, che blandisce l’apologia, ma nega il perdono e pertanto galvanizza e appesantisce le sue vittime più fragili che invece vorrebbero librarsi in alto, in virtù di una lucida, anzi luminosa, follia.

 

-Giada Gambula ed Eduardo Manuale

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MedFilm Festival: un mare fra Spagna e Palestina

Venerdì 8 novembre si è aperta a Roma la 25° edizione del MedFilm Festival, rassegna cinematografica che, prendendo le parole degli stessi organizzatori, vuole essere “un richiamo alla cultura del bello, del giusto, dell’equo, del reciproco, del diverso, dell’accolto”. Attraverso un vasto e variegato programma (diviso in numerose sezioni, fra corti e lungometraggi) il desiderio di chi lo ha promosso è quello di rappresentare storie, ambientazioni, sensazioni e immaginari universalmente mediterranei, ossia frutto di produzioni provenienti da ogni sponda del nostro Mare Interno.

“Il mare non lo scopriamo da soli e non lo guardiamo solo con i nostri occhi” scrisse il grande storico croato Pedrag Matvejevic nel suo “Breviario mediterraneo”. Tutte le civiltà nate e sviluppate sulle rive del Mediterraneo hanno osservato il loro mare anche e soprattutto per mezzo delle immagini e delle narrazioni che gli altri produssero. Noi oggi non siamo da meno. Ogni costa e ogni popolo parla al mare a modo suo. Ogni cinepresa registra un Mediterraneo differente, poiché questo mare “chiuso” può essere ammirato da angolazioni che regalano ambientazioni, culture, ragioni, colori e sensazioni sempre differenti. Dalle sponde nordafricane a quelle europee, dalle coste iberiche a quelle mediorientali, dalla Francia continentale alle terre di Israele, dall’intimo mar Adriatico al teso bacino orientale, da Gibilterra al Bosforo: non si assiste ad un unico Mediterraneo, ma a tanti quanti se ne possono vedere e narrare. “Non un unico paesaggio, ma innumerevoli paesaggi. Non un mare, ma un susseguirsi di mari. Non una civiltà, ma una serie di civiltà accatastate le une sulle altre” per citare un altro grande storico, Fernand Braudel.

Testimoniare la coesistenza di eterogenee esperienze mediterranee: questo è l’obiettivo del MedFilm Festival. Esperienze che oggi risultano politicamente fondamentali per poter affrontare coscientemente la crisi umanitaria e geopolitica che vede accomunate le due sponde, quella Nord e quella Sud. La sfida che intende portare avanti questa rassegna cinematografica, e che noi accogliamo con entusiasmo, è quella di proiettare un mare che sia di tutti, affinché nessuno possa dire che sia “nostrum”, di rappresentare questo “continente liquido” come un laboratorio di integrazione e coesione sociale e culturale. Una meta nient’affatto scontata alla luce dei nostri giorni, ma, ancor più per questo, un traguardo che l’Europa deve raggiungere insieme alle altre realtà politiche mediterranee.

Qualche altra parole merita l’immagine che compone la locandina ufficiale del festival, una perfetta sintesi spirituale e materiale del Mediterraneo. Una profonda distesa liquida dalla quale affiora energicamente una montagna candida, sulla quale sorge il volto di una città mediterranea che indirizza lo sguardo al proprio orizzonte, il mare, e che si compone dei diversi stili architettonici caratteristici del Mediterraneo. Perché la storia del Mediterraneo è la storia delle sue città, della sua tradizione urbana ineguagliata a livello globale: e proprio le città sono alcuni fra i protagonisti delle pellicole selezionate.

                                                                                  

It Must Be Heaven

Ho avuto l’onore di assistere all’apertura del festival e alla proiezione del primo film fuori concorso. “It Must Be Heaven”, scritto, diretto ed interpretato da Elia Suleiman, è l’epopea silenziosa e surreale di un palestinese che lascia la propria terra per dirigersi prima a Parigi e poi a New York, per rispondere ad una domanda: quando un luogo si può definire casa? Il nucleo della ricerca è inevitabilmente intorno al concetto di identità, ed emerge chiaramente come questa sia il prodotto complessivo sia di come ciascuno di noi si narra e si vede, sia di come gli altri ci narrano e ci vedono.

La recitazione di Suleiman è particolare, apparentemente passiva, il suo corpo è perennemente al centro dell’attenzione ma ci priva in maniera assoluta della sua voce. La volontà dell’autore è di immergerci in una realtà quotidiana, dai toni sfumati, di un pellegrino che riflette sulla propria provenienza, e per farlo decide di impacchettare una serie di sketch originali e mirati, ma che piuttosto raramente producono profondi sorrisi e risate. Non per questo il film non funziona, anzi riesce a dirigersi bene verso un finale gioioso, liberatorio, che celebra spensieratamente un orgoglio, quello palestinese.

La Virgen de Agosto

Il secondo film che ho avuto modo di visionare è una produzione spagnola (presentato come “August Virgin”), diretto da Jonàs Trueba, il quale, a quattro mani con l’attrice protagonista, ha scritto una storia estiva totalmente madrilena. In questa delicatissima pellicola lo spettatore è gettato in una Madrid torrida, per raccontare i 15 giorni agostani di una giovane donna (Eva) che, quasi come atto di fede, decide di rimanere nella sua città nei giorni in cui questa tende a svuotarsi ed affrontare alcune problematiche esistenziali che non ci vengono presentate, ma che si rivelano umanamente intuibili allo spettatore, il quale entra facilmente in empatia con la donna.

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Madrid è, al pari dei personaggi che nel corso dei giorni si affiancheranno ad Eva, una protagonista indiscussa, un ambiente vivo più che un semplice contorno offerto alle azioni dei vari personaggi. Eva decide di esplorare in lungo e in largo una città che già conosce per sperimentare un nuovo comportamento, per aggirarsi in cerca di qualcosa che le è sfuggito, per ottenere un nuovo sguardo, nuove immagini e categorie mentali con cui sciogliere i suoi dilemmi, per poi tracciare una nuova via da percorrere in quel settembre che sancisce la fine dell’estate e ci obbliga a trovare delle risposte. “La Virgen de Agosto” è un racconto intimo, a tratti mistico, ma che non perde mai il proprio realismo in quanto narra uno dei tanti momenti della nostra vita in cui lo scorrere del tempo ci sembra rallentare per darci la possibilità di porci le giuste domande e darci le (si spera) giuste risposte, giungendo magari a donarci una rivelazione inaspettata e proprio per questo tanto preziosa.

-Alessandro Berti

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Impressioni di Giselle

Sabato 2 marzo 2019 è stato rappresentato dalla compagnia del Balletto di Roma, sotto la direzione artistica di Francesca Magnini, il balletto Giselle, presso l’intimo e moderno Teatro Vascello. I due atti dello spettacolo sono stati curati da due coreografi di fama internazionale, rispettivamente da Itamar Serussi Sahar, formatosi all’età di quindici anni presso Israel Arts High School e Chris Haring, vincitore del Leone d’Oro alla Biennale di Venezia. Centosettantacinque anni fa lo spettacolo fu messo in scena per la prima volta, emblema del balletto romantico dell’ottocento e gioiello della danza classica. Per CulturArte hanno assistito allo spettacolo Carmen Ciccone e Maria Chiara Petrassi, che ci danno nell’articolo che segue le loro impressioni sulla piece.

La trama, come prevede la tradizione, è semplice ma caratterizzata da scene di forte patos e costumi di scena divenuti emblematici nei secoli. Il conte Albrecht, travestito da popolano, lusinga la contadina Giselle. Nel giorno in cui è incoronata reginetta del villaggio la ragazza scopre che Albrecht è già fidanzato, impazzisce e si uccide. Sepolta nel bosco come spetta ai suicidi, ogni notte danza con le altre Villi (le anime delle donne tradite prima del matrimonio) e con la loro regina Myrtha, che si vendica con gli uomini che incontra facendoli danzare fino alla morte. Il Conte in visita alla tomba di Giselle viene catturato dalla regina: riuscirà a salvarsi grazie all’amata Giselle, che lo sosterrà durante l’estenuante danza che finisce all’alba del nuovo giorno.

Petrassi:

La Giselle rappresentata dal Balletto di Roma cambia radicalmente da quella che conosciamo: le donne, attraverso l’aldilà, utilizzano l’immortalità per uccidere coloro che le hanno fatte soffrire in vita. Una legge del contrappasso che dona rivincita a queste fanciulle, non più deboli e deluse ma forti e a tratti demoniache. Nello spettacolo i  ballerini abbandonano completamente le vesti del balletto classico, immergendosi in una coreografia di danza contemporanea. Non appaiono più con i tradizionali costumi ottocenteschi ma indossano pallidi e rosei body anatomici che mettono in risalto la loro nuda esistenza. Le musiche originali di Adolphe Adam sono riadattate, letteralmente scomposte e ri-mixate con dialoghi in inglese di un noto film da sottofondo o loop ripetitivi di stesse note. Il secondo atto si apre negli inferi, in cui le Villi (le fanciulle) danzano in maniera spettrale e sembrano quasi stregate da una musica che risuona: Il cielo in una stanza di Gino Paoli, la melodia appare rallentata e canticchiata da una voce femminile che inevitabilmente, grazie all’uso di luci soffuse, crea un clima horror e ultraterreno. In seguito questa danza si articola insieme agli uomini (gli amati delle Villi) fino all’arrivo di Albrecht e Giselle. La coreografia è meno tecnica, più incentrata sul sentimento e sull’espressività dei due ballerini. Fino al culmine in cui il conte esausto di ballare questa danza, con il solo scopo di farlo arrivare al cedimento, cade a terra in preda quasi a convulsioni, con accanto Giselle che accarezzandolo gli permette di riprendere vita e scappare via. Ciò che ci viene trasmesso è l’idea che la vendetta sia capace di alleviare il dolore della perdita, è dunque questo l’ultimo guizzo di umano che la vita concede a Giselle, prima che i corpi si affrontino definitivamente. Concludo affermando che questo spettacolo mi ha lasciato inizialmente interdetta: il cambiamento così drastico di questo balletto è graduale da elaborare (per persone appartenenti al mondo della danza). Una volta superato il forte impatto del cambiamento, si apprezza il tentativo di voler rappresentare una storia diversa, fino ad accompagnare gli spettatori a riflettere e a capire il vero scopo dei due coreografi. La pecca più grande è l’aver dato per scontata la trama (non tutti potevano conoscerla) e l’aver creato uno spettacolo, assolutamente non alla portata di tutti. Uno spettacolo fin troppo intellettuale che solo un pubblico appartenente a quel mondo avrebbe potuto comprendere. È da apprezzare il forte cambiamento e il coraggio nello smuovere uno dei colossi del balletto classico che talvolta, se non modificati o riadattati al XXI secolo, rischiano di rimanere bloccati nella loro epoca ad impolverarsi.

Ciccone:

Nel primo atto ritroviamo una danza individuale estremamente ‘’potente’’ a livello fisico. Il secondo invece assume una dimensione più corale. Da ballerina, classica in particolar modo, pur rimanendo fondamentalmente tradizionalista, non ho potuto non rendermi conto dell’accuratezza dei ballerini, precisi nei movimenti ed impeccabili nella sincronizzazione. Un bravo spettatore deve cogliere l’essenza di ciò che vede e Giselle resta, in qualunque modo, una storia unica per i temi umani che tratta: l’amore che vince sempre su tutto, la morte e la vendetta come cura per il dolore.

I ballerini del Balletto di Roma hanno saputo esprimere questi sentimenti con maestria, accingendosi anche ad un compito più complesso rispetto a quello del balletto classico, del quale si riconosce meglio la trama, poiché appunto attraverso questo tipo di danza ne risulta meno automatica la lettura.L’arte della danza ha un privilegio estremo, quello di poter trasmettere con il proprio corpo emozioni che in realtà si trovano nell’animo.

Uno spettacolo di danzatori professionisti è il frutto di mesi di prove, di sacrifici, sudore, momenti no, ma anche di riconoscimenti e complimenti: chi è salito su di un palco almeno una volta nella vita sa di essere un privilegiato. La serata in cui ho visto lo spettacolo è finita tra gli applausi incessanti del pubblico, commosso dal momento più caldo, quello dell’inchino dei protagonisti che hanno regalato così tante emozioni in così poco tempo. In realtà, quando mi trovo di fronte a così tanta bravura e lavoro, sento di essere io quella che dovrebbe prostrarsi.

In un attimo però le luci della sala si spengono e tutti vanno via. Nel modo che posso, dico solo “Grazie” ai ragazzi della compagnia, se l’intento era impressionare positivamente, ci siete riusciti.

-Maria Chiara Petrassi e Carmen Ciccone

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In viaggio con Novecento

Il buio più totale. Silenzio più oscuro del buio. Poi uno stralcio di luce: sul palco compare il narratore Max Tooney, interpretato dal brillante e coinvolgente Fabrizio Pinzauti, fiorentino, unico attore e regista dello spettacolo intitolato Virginian.  Nei pressi del Colosseo, nel piccolo e suggestivo Teatro Ivelise, è andato in scena il 26 gennaio lo spettacolo tratto dal celebre romanzo di Alessandro Baricco Novecento, parola che racchiude uno dei monologhi più significativi della letteratura contemporanea.

L’opera dello scrittore torinese, pubblicata nel 1994, narra la storia del giovane orfano Benny Goodman T. D. Lemon Novecento nato a bordo del piroscafo “Virginian”: su di esso il giovane Novecento divenne presto un favoloso pianista che suonava per intrattenere i migranti in viaggio verso l’America in cerca di un futuro migliore, storia che si protrae fino all’anno dell’ambientazione del monologo, il 1943. Pinzauti interpreta la parte dell’amico Max Tooney, trombettista nonché narratore di questa meravigliosa storia.

Del 1998 invece è l’adattamento cinematografico di Giuseppe Tornatore, musicato dall’insuperabile Ennio Morricone, La leggenda del pianista sull’oceano con attore protagonista Tim Roth; il film ottenne numerosi riconoscimenti di prestigio tra cui 6 David di Donatello nel 1999 e un Golden Globe nel 2000.

Nella realtà è esistito un Virginian, precisamente il transatlantico RMS Virginian varato nel 1905 e smantellato nel 1954; nel 1912 svolse addirittura un ruolo di primo piano nella vicenda dell’affondamento del Titanic: il Virginian infatti si trovava in prossimità del disastro ed ebbe modo di stabilire un contatto con il famoso transatlantico.

Sugli spalti si respira un’aria intima e di raccoglimento, appena si spengono le luci il buio e il silenzio si diffondono nel teatro e una musica nostalgica di sottofondo dà inizio allo spettacolo. Sulla destra del palco, seduto su di un baule e con in mano un cappello, l’attore protagonista è illuminato soltanto da una luce fioca. La scenografia è composta di pochissimi elementi (un baule, dei gradini, una tromba e un pianoforte); è Pinzauti , con il suo modo di essere padrone sul palco e con la sua capacità di raccontare, che ha il potere di far volare l’immaginazione del pubblico rendendo di fatto superflua ogni scenografia.

Sembra di sentire Novecento suonare, sembra quasi di poterlo vedere seduto di fronte a quel pianoforte, il pubblico si emoziona assieme al protagonista all’ascolto delle note suonate e grida insieme a lui quando l’America spunta all’orizzonte. Lo spettacolo è avvincente per tutta la durata, cosa non scontata vista la difficoltà del monologo; l’autore/attore lo ha smontato e ricreato per noi mettendo in scena una storia che come un film scorre davanti ai nostri occhi e nelle nostre menti. È proprio questa la bravura dell’artista: la capacità di creare solo con se stesso e la propria voce immagini e azioni soltanto stimolando l’immaginazione degli spettatori.

Pinzauti è riuscito in questo. Non abbiamo mai staccato gli occhi dallo spettacolo, pendendo dalle sue labbra e catturando con gli occhi (e con la reflex) ogni suo gesto e movimento. Alla conclusione dello spettacolo gli applausi non si sono fatti attendere: il pubblico è emozionato ed entusiasta. Bella l’attenzione dell’attore per il pubblico alla fine dello spettacolo, coinvolto in un interessante “after show” ricco di domande e riflessioni . Fabrizio Pinzauti afferma di non identificarsi nel personaggio di Novecento, genio in una cosa ma frana nel resto,  ma molto di più nelle sue paure e nella sua esigenza di certezze; questo suo bisogno porta Novecento alla scelta drastica del finale, che lui comprende ma non condivide: l’attore e regista conclude dicendo che questo monologo lascia delle domande più che dare delle risposte.

Da studentesse che frequentano davvero poco teatri e spettacoli, siamo rimaste davvero piacevolmente soddisfatte. Pinzauti ci saluta con il sorriso sincero di chi ha svolto il suo lavoro con tanta passione e soddisfazione. Durante il tragitto di ritorno per casa, ripensando allo spettacolo lo si poteva rielaborare chiaramente come un film, di quelli così coinvolgenti e vivi che senti subito nostalgia per ciò che ti hanno fatto provare.

-Geraldine Aureli e Claudia Crescenzi

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Essere Sole in due

Zoe (…) soffre di attacchi di ansia forse perché troppo vittima dei social network e delle mode del momento

Tea (…) sta usando le proprie forze per un disegno più grande, le cui linee però, sono state tracciate da qualcun altro

Due ragazze entrano in scena: una vestita con un paio di jeans e maglietta rosa, l’altra con pantaloni con fantasia militare e un top nero. Questo è ciò che vediamo sul palco del Teatro Ivelise durante queste sere: Sole, uno spettacolo ( quasi) tutto al femminile scritto da Annalisa Elba con Giorgia Masseroni e Sara Religioso, ma con la regia di Simone Ruggiero, unica componente maschile.
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Ieri, 16 Novembre, eravamo presenti alla prima di questa rappresentazione dai toni dolceamari che aggrada lo spettatore, lasciando più di uno spunto di riflessione. Le due protagoniste, unici personaggi sulla scena, sono Zoe e Tea: due poli opposti inseparabili che si incontrano e si scontrano senza trovare mai un punto di equilibrio. Zoe, vestita di rosa e arcobaleno, è una ragazza solare e positiva, soffre di attacchi di ansia forse perché troppo vittima dei social network e delle mode del momento: dalla lettura obbligata degli articoli “acchiappa likes” di Facebook, alle stories di Instagram; dai tacchi alti al sushi ordinato a domicilio. Sportiva e ribelle invece è Tea che occupa la parte anticonformista della scena: una Rambo che sembra invincibile e indomabile, pronta a tutto per ottenere ciò che vuole fino a quando non scopriamo che, in realtà, sta usando le proprie forze per un disegno più grande, le cui linee però, sono state tracciate da qualcun altro. Anche lei risucchiata dal buco nero della rete, riceve le direttive da un individuo di cui le ragazze e neppure noi, conosciamo l’identità.
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Zoe e Tea che sono un po’ il nero e il bianco, il diavolo e l’acqua santa, due parti opposte ma complementari, si trovano su un terrazzo di un condominio a 35 km da casa, senza una vera e propria spiegazione. Dall’altra parte del telefono è stato detto a Tea di arrivare lì e le due ragazze stanno aspettando nuove direttive quando, come al solito, iniziano a discutere portando in superficie l’una i difetti dell’altra. L’essere negativa di Tea è in contrasto con la tranquillità apparente e le debolezze di Zoe, la cui forza d’animo si rivela essere molto più potente e dotata di razionalità di quella di Tea. Il tanto battibeccare le porta a pensare che quando erano piccole era tutto così diverso: pur avendo spesso idee in contrasto, come “quella volta sulle montagne russe”, non discutevano mai, si divertivano più spesso, erano spensierate e cantavano di più. Ora sembrano sempre in contrasto, una bilancia che ricade sempre e solo da un lato senza mai trovare un punto di equilibrio. Sempre pronte a cambiare umore e a cambiare idea, a sminuirsi pur di elevare l’altra, a ferirsi e a gettarsi le mani al collo ferendosi reciprocamente: a Tea, ad esempio, bastano due mani al collo per ferire la compagna di scena e se stessa. Divise e al contempo inseparabili da sempre, condividono ricordi e scelte di vita: ma chi sono in realtà?
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Un dipinto a tinte pastello e fosche contemporaneamente atto a descrivere le insicurezze dei giovani di oggi che vacillano sempre più fra essere e apparenza, fra felicità e pessimismo, fra dovere e spensieratezza, fra l’essere liberi o schiavi delle costrizioni sociali, di ciò che gli altri si aspettano o desiderano venga fatto. Sole, che verrà rappresentato al Teatro Ivelise anche sabato 17 e domenica 18 Novembre, lascerà un interrogativo principale nelle vostre menti: si può essere da soli in due o, talvolta, è la solitudine a spingerci a dividere noi stessi?
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-Beatrice Tominic
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Madri e figli alla festa del cinema di Roma

Kursk, My Dear Prime Minister, Boy Erased, sono alcuni dei film in concorso alla tredicesima Festa del Cinema di Roma (18-28 ottobre) che abbiamo seguito per CulturArte. Nelle tre pellicole citate emerge in vari modi la forza del legame tra madri e figli, tre progetti culturalmente molto lontani ma che evidenziano l’universalità del rapporto più forte al mondo.

Filo rosso delle tre storie è l’ispirazione a fatti realmente accaduti (Kursk e Boy Erased) o comunque di vita quotidiana (My Dear Prime Minister). Kursk, regia di Thomas Vinterberg, ripercorre la tragica fine dell’omonimo sottomarino russo con le vicende umane delle famiglie dei marinai e gli intrecci diplomatici nei disperati tentativi di salvare l’equipaggio; Boy Erased, diretto da Joel Edgerton, è invece tratto dall’autobiografia di Garrard Conley Boy Erased: a memoir e approfondisce le complicate vite di ragazzi americani omosessuali costretti a terapie di riorientamento sessuale tenute in contesti religiosi; storie molto diverse ma entrambe portate con ottimi risultati sul grande schermo. Cast importante per Kursk con Lea Seydoux, Colin Firth e l’ottima performance da protagonista del belga Matthias Schoenaerts; stesso discorso per Boy Erased con Nicole Kidman e Russell Crowe genitori di un sempre più convincente Lucas Hedges (classe ’96, già candidato per l’Oscar come miglior attore non protagonista nel 2016 con Manchester by the Sea) e la presenza, pur in un ruolo minore, di Xavier Dolan.

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Discorso a parte invece per My Dear Prime Minister, con regia di Rakeysh Omprakash Mehra, film indiano molto lontano dal nostro mondo occidentale che affronta i disagi quotidiani della bidonville di Gandhinagar, in particolar modo la piaga della mancanza di bagni ed i rischi per le donne di subire abusi. Il film è toccante, i toni quasi da commedia e le scene stile Bollywood che caratterizzano la prima parte sono spazzati via bruscamente dal dramma dello stupro, realtà purtroppo quotidiana in vaste aree del subcontinente indiano, ma trionfa la speranza grazie alle peripezie dei bambini della baraccopoli. Nella gara degli applausi tra i tre film è proprio My Dear Prime Minister a vincere, sincero tributo al regista, presente in sala, da parte di un pubblico commosso e colpito dai dati reali sulla carenza di servizi igienici e numero di stupri riportati a fine proiezione. Come già detto, progetti lontani ed un denominatore comune: il legame indissolubile tra madri e figli. Che la storia sia ambientata nel Mare di Barents, negli Stati Uniti o nelle baracche di una città indiana è poco rilevante; che il figlio abbia 5, 10 o 20 anni è ancora una volta poco rilevante; che la madre sia la perfetta consorte di un predicatore, la sposa di un marinaio o la ragazza madre in una realtà complicata non ha importanza. Madri che lottano per il bene dei loro figli e figli che lottano per il bene delle loro madri (commovente in particolar modo il rapporto singolare in My Dear Prime Minister), personaggi forti e coraggiosi, risoluti nell’affrontare situazioni complicatissime che si presentano nella loro vita, forza morale che però non risulta monolitica ma lascia anzi un notevole spazio allo sviluppo dei personaggi nel corso della storia, componente di formazione che troviamo maggiormente in Boy Erased, da brividi la scena della “fuga” dal centro di riabilitazione. Potente e allo stesso tempo delicata l’interpretazione di Lea Seydoux in Kursk, donna autrice di gesti forti in un clima politico teso, tempra che dimostrerà anche il figlio nel drammatico momento dell’ultimo saluto al padre; quest’ultimo film merita inoltre una menzione a parte per la caratterizzazione maggiormente approfondita di tutti i personaggi che ruotano intorno al nucleo principale e la capacità di valorizzare i due piani narrativi con la stessa forza, le vicende in mare e la battaglia delle famiglie; ancora un appunto positivo per la pellicola di Vintenberg per quanto riguarda la fotografia e le colonne sonore.

BOY ERASED

Le donne di cui abbiamo parlato comunicano il messaggio forte di madri che conservano la loro individualità e che non sono subalterne a nessuno, sono storie di coraggio, di teste che non si piegano e lottano per ciò che sentono giusto, ma allo stesso modo sono storie di figli che crescono in fretta ed assumono ruoli determinanti in queste vicende. Emerge essenzialmente questo indissolubile legame di sostegno reciproco tra madri e figli, in ogni tempo ed ogni luogo, comunque lo si guardi, unico.

 

-Gabriele Russo

 

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Mamma son tanto felice perché – uno spettacolo di e con Angelica Bifano

In Via Capo D’Africa, a due passi dal Colosseo, sorge il Teatro Ivelise, un luogo intimo dove l’arte trova casa nel cuore di Roma. Entrando quasi si ha l’impressione di non essere in un teatro, sala da 45 posti, botteghino stretto, non manca però l’immaginazione e la voglia di stupire; la prima cosa che si nota è una panchina apparentemente schiacciata dentro ad una scatola in realtà molto comoda. La sala sorprende con le luci, le maschere veneziane, uno specchio volutamente sgangherato, i cuscini sugli spalti, un colpo d’occhio che lascia presagire una piacevole serata.

Lo spettacolo al quale ho assistito è Mamma son tanto felice perché, scritto, sceneggiato e recitato da Angelica Bifano. La scena é pronta. Troneggia al centro una sedia stile ‘700 con appoggiata una stoffa di lino semi-grezzo, a destra uno sgabello con un pacco di sigarette. L’attrice entra, prende il suo tempo, ci guarda; di colpo inizia una cantilena, prima dolce, poi sempre più energica, intonando una lode a Maria in dialetto campano. Il pubblico ride, lei rimane seria. Ė stata posata la prima pietra: una commedia sullo stile della commedia dell’arte.

Rimanendo lì a guardare si rimane estasiati dalla capacità della Bifano di impersonare per tutta la durata dello spettacolo una miriade di personaggi che tende ad aumentare al fine di raccontare una specie di “ultima cena” domenicale in famiglia con la nonna. L’elemento che più colpisce è la fluidità con cui l’attrice passa da un ruolo all’altro, una metamorfosi decisa ma che lascia il tempo allo spettatore di adeguarsi. La bambina stufa di dover parlare alla nonna della propria giornata lascia spazio a quest’ultima che si lamenta della sistemazione del cuscino, per poi diventare la zia che scarica la propria tensione contro il fratello mentre quest’ultimo prova a non prendersela sapendo come sua sorella è fatta. La storia in effetti è un racconto del quotidiano, poche sorprese, non è l’intreccio narrativo a rimanere impresso, è piuttosto l’intensità dei personaggi, la genuinità delle emozioni a toccare il pubblico. C’è la gioia di una donna anziana più volte madre che racconta della maternità ad una bambina che ancora non può capirla o anche la continua ricerca di una zitella verso l’autorealizzazione, da raggiungere occupandosi  della riuscita di un pranzo di famiglia ma che non avviene per il rifiuto di accettare le cose come vengono. Insomma, la gioia della vecchiaia un po’ capricciosa ma mai cattiva, l’esasperazione dei doveri o presunti tali della vita adulta, la fantasia giocosa e a volte cattiva dei bambini che rispondono all’affetto della zia con un “Potere della luna! Se ti avvicini ti ammazzo!”

Alla fine si torna a casa, sotto la pioggia; lo spettacolo in parte l’ho dimenticato. Salgo le scale, mi accoglie nonna, subito mi chiede un po’ di compagnia e il racconto della serata, l’aiuto a sistemarsi sulla poltrona. Lo spettacolo torna in mente e sorrido.

 

-Joël David Guerrazzi