Articoli

, , ,

Chi non ha Paura vive PER SEMPRE

Così si presenta “Bohemian Rhapsody”,  il film biografico/tributo più rischioso degli ultimi anni. L’impavida pellicola segue i primi quindici anni della celeberrima rockband dei Queen e del suo carismatico frontman Freddie Mercury. Un film che non ha decisamente avuto paura di tentare l’impossibile: riportare in vita la leggenda.

.

*SPOILER FREE*

.
Quando e se si decide di parlare di film come Bohemian Rhapsody, così come molte altre opere del genere biopic/tribute movie, si dovrebbe evitare di analizzarli unicamente da severi storiografi. Potrà generare disaccordo ma a volte le licenze poetiche e le inesattezze storiche sono inevitabili e funzionali allo scopo: rendere protagonista, nel bene o nel male, il soggetto che si sceglie di omaggiare e far risaltare raccontandone la storia più o meno rielaborata. Bohemian Rhapsody  non vuole essere un film storico né un fedele documentario sui primi 15 anni di attività dei Queen, è bene ricordarlo prima di proseguire.
.
Dunque, mettere mano su una figura non solo iconica -sotto più punti di vista- ma anche amata all’inverosimile quale lo era e lo è tutt’oggi quella di Freddie Mercury (fan o meno, nel 2018 non è ormai necessario aprire una digressione esplicativa su quest’uomo e la sua band), ha significato entrare nell’intimità di un’amplia fetta di popolazione mondiale e dirle: “Ok, proveremo a riportare in vita per 130 minuti un idolo e a restituirvi delle emozioni viscerali che vi sono state tolte decisamente troppo presto”. Una sfida importante e rischiosa che non a caso ha richiesto anni di progettazione, varie peripezie e una buona dose di volontà da parte dei produttori della pellicola tra cui Brian May e Roger Taylor, rispettivamente  il chitarrista ed il batterista/membro fondatore dei Queen nonché compagni storici di vita del frontman della band.  Anni trascorsi a cercare il volto che potesse riportare in vita una leggenda e svariate controversie a riguardo, giusto qualche difficoltà nella sceneggiatura di un pezzo di storia della musica, un delicatissimo processo di estrazione e pulizia delle tracce vocali originali dai vari concerti live (fare un film su un uomo dalla voce ineguagliabile fornendogliene un’altra sarebbe stato al quanto controproducente) e, per concludere in bellezza, un cambio improvviso di regia da affrontare a pochi mesi dalla data di rilascio della pellicola. C’era dunque abbastanza materiale per giustificare una resa incondizionata da parte dell’intera produzione ma, e questo è un “ma” grande quanto un palazzo intero, accade spesso che quando sono gli stessi protagonisti della storia a volerla raccontare, ci riescono a qualsiasi costo. Perciò eccoci qui a parlare di un film di cui si parla ormai da mesi, da anni per chi lo ha sempre aspettato. Risulta d’obbligo in tali circostanze  ribadire l’ovvio, quanto stavolta (come nella maggior parte dei casi) corrisponde con ciò che ha omogeneamente messo d’accordo la critica mondiale: la prova attoriale fornita da Rami Malek nei panni di Freddie Mercury è inaspettatamente e perfettamente all’altezza del personaggio. Chi ha amato con tutto il cuore il performer dei Queen, di fatto uno dei più ben voluti showmen nella storia della musica, sa bene perché si renda necessario l’utilizzo di avverbi come “inaspettatamente” quando si parla del risultato ottenuto da questo film. Probabilmente tutti, una volta appreso in via ufficiale il nome di chi avrebbe interpretato Sua Maestà, avremo avuto un pensiero del genere: “Oh povero Rami. Così hanno rifilato a te la patata bollente, eh? Peccato eri simpatico e così promettente. Chissà se ne uscirai vivo.”. Eppure il signor Malek è attualmente vivo e vegeto e si gode i meritati frutti del suo miracolo, rispondendo così a chi chiede cosa abbia significato per lui questa fatica Eraclea:
.
Prima di interpretare Freddie Mercury per questo film, non avevo un così immenso e a dir poco reverenziale rispetto nei confronti della sua figura di artista. Ma adesso, che dire…ecco un uomo capace di cantare “We Are The Champion” in un’arena, piena di gente, in cui tutti cantavano insieme a lui. La sua abilità nell’unire le persone al di là di lingue, nazionalità e differenze culturali era davvero avanti con i tempi. Non c’è nessuno come lui in questo.
.
Ironia della sorte l’attore sembra aver ereditato dal personaggio la medesima caratteristica; la capacità di unire i critici che passano al vaglio da circa un mese, senza trovarvi la minima pecca, le sue movenze, la sua mimica facciale ed il suo modo di esprimersi parlando, o stando in silenzio, nelle vesti del cantante. Tuttavia l’uomo che ha dovuto addossarsi il peso di una leggenda, non l’ha fatto di certo a cuor leggero. Malek racconta infatti di aver trascorso notti insonni a guardare e riguardare tutti i video attualmente disponibili delle più celebri esibizioni dei Queen e dei vari backstage e interviste. Mesi passati a studiare un animo così geniale, complesso e turbato che “non voleva morire ma a volte desiderava di non essere mai nato”. Imitarne gli slang, l’ironia e ogni minimo gesto quotidiano, persino il modo di accendere una sigaretta, arricciare le labbra o portarsi la mano alla bocca per nascondere i denti. Il tutto, a tal proposito, con in bocca ogni giorno, per almeno 12 ore al giorno, un’ingombrante dentiera plasmata sul calco più verosimile possibile della celebre dentatura di Freddie Mercury. Per non parlare del dover riprodurre l’incredibile empatia che quest’ultimo aveva con ogni pubblico, ovunque si esibisse, concedendovisi ogni volta senza riserve. Tutto ciò, per dare un’idea della giusta proporzione del suo trionfo, ha costituito la sfida brillantemente superata da Malek. Del resto Brian May aveva dichiarato più volte che l’attore avrebbe convinto tutti indistintamente senza dissacrare ma anzi fornendo un indimenticabile tributo. Accanto a lui poi, un cast corale altrettanto talentuoso e degno di nota: Lucy Boynton interpreta Mary Austin, compagna storica e migliore amica del frontman della band, l’amore indissolubile più volte cantato dal pubblico di tutto il mondo, Gwilym Lee e Ben Hardy interpretano i già citati Brian May e Roger Taylor e Joe Mazzello veste i panni di John Deacon, storico bassista del gruppo. Riguardo quest’ultimo inoltre torna a galla in questa circostanza una nota dolorosa che non può essere ignorata: l’ultimo membro ad unirsi alla band infatti, a seguito della morte di Mercury, resistette per ancora qualche anno tra vari tira e molla e poi lasciò definitivamente i Queen nel 1997 rimanendone silente supervisore per affari perlopiù finanziari. I suoi due compagni continuano ad oggi a far esibire la “Vecchia Regina”, non con poca amarezza, trainandone la memoria storica e riconfermandosi ogni giorno come tributo vivente all’amico scomparso. Deacon invece, a detta degli ex compagni, si chiuse nel suo dolore ammettendo serenamente che la prematura dipartita di Mercury per lui aveva significato la fine della corsa, la fine dei Queen. C’è chi dice che egli sia stato l’unico dei membri della band a guardare in faccia la realtà mentre gli altri avrebbero preferito continuare a rifugiarsi in un passato niente affatto facile da accantonare. Tutto ciò che sappiamo oggi riguardo allo storico bassista del gruppo è che fosse già da tempo d’accordo con il progetto del film. E’ certo però che se ora torniamo a chiederci che fine abbia fatto Deacon, se abbia visto il film e cosa ne pensi, è principalmente perché questi quattro giovanotti nei panni dei Queen ci hanno davvero convinti e resi dunque nostalgici di qualcosa che è ormai ben lontano, purtroppo. Come ha efficacemente espresso Ben Hardy ( nel film Roger Taylor), i quattro attori una volta ingaggiati si sono immediatamente riconosciuti come band e voluti bene.
.
Il risultato è stato piuttosto evidente.   Abbiamo visto i primi 15 anni di quattro ragazzi incredibilmente talentuosi, diversi e complementari che misero in piedi una rockband che produsse innovazione e arte. Li abbiamo visti ridere di gusto insieme, litigare, prendersi in giro, innamorarsi e segnare la cultura pop/rock con successi come Killer Queen, Love of My Life, Hammer To Fall, We Are The Champions, I Want To Break Free, We Will Rock You, Another One Bites the Dust e svariati altri. Li abbiamo visti separarsi per poi piangere lacrime vere quando uno di loro ha confidato di “averlo preso”, di aver contratto il mostro invisibile e invincibile degli anni ’80: l’AIDS. Li abbiamo visti e abbiamo riso, pianto come bambini e soprattutto cantato ogni singolo brano insieme a loro. Li abbiamo visti ma non siamo stati più in grado di distinguere tra realtà e finzione. Siamo tornati sul palco insieme a loro nella storica esibizione del Live Aid di Wembley nel 1985, una performance di appena 20 minuti che passò alla storia e che ancora oggi resta il principale motivo per cui chiunque abbia memoria di quel mastodontico concerto. Uno spettacolo riprodotto fedelmente in ogni minimo dettaglio, minuto per minuto, a chiusura della pellicola.  Li abbiamo visti e ci siamo emozionati con loro rivivendo un’avventura che si era conclusa troppo presto. Abbiamo assistito alla restituzione di un pezzo di storia della musica che da tempo ormai cercava di tornare al proprio posto. E’ stata esorcizzata una forte mancanza e riportato in vita chi ormai ci ha lasciati da 27 anni senza in realtà però lasciarci mai davvero ed era proprio questo lo spirito della pellicola, ben espresso nella tag-line dell’opera: Chi Non Ha Paura Vive Per Sempre ( Fearless Lives Forever ).
.
Proprio per questo motivo, nonostante le innumerevoli inesattezze storiche e l’evidente e innegabile natura romanzata di alcuni momenti della narrazione -in entrambi i casi elementi considerati scientemente e voluti dalla stessa produzione e regia- non si può dire che sia stata raccontata tutta un’altra storia o che le incongruenze siano state tali da vanificare il messaggio del film. Per sempre infatti vivrà l’incredibile voce di un povero ragazzo di origini parsi che sconvolse il mondo e non ebbe paura nel cercare di diventare ciò per cui era nato, sia al livello artistico che personale. Per sempre vivranno quattro amici, quattro talentuosissimi artisti le cui ineguagliabili poesie scrissero la storia della musica e ci accompagnano tuttora. Per sempre vivrà una canzone che non ebbe paura, che ad oggi resta un capolavoro musicale quasi inclassificabile ma che all’epoca del suo primo rilascio rappresentò un flop totale, attirando su di sé severissime critiche negative: Bohemian Rhapsody.             
.

FEARLESS  LIVES FOREVER

.

-Margherita Cignitti

La ricerca non ha dato alcun esito positivo. Riprova inserendo altri termini

,

The Space In Between

C’è una sorta di varco che separa l’artista dal raggiungimento più pieno di se stesso; vale anche per l’uomo? Esiste davvero una dimensione “di mezzo” che tutti noi, prima o poi, dovremo affrontare per poter essere considerati “umani”?
La società di oggi è un insieme discontinuo di elementi; questo può rendere più vaga e distorta la visione universale delle cose. Spesso l’uomo ha dovuto scegliere fra l’armonia o la distruzione, fra quella che è la visione certa, finita e “bella” della realtà o una nuova consapevolezza della “bruttezza” e del suo sovversivo ed evanescente caos. Questa ambivalenza ha ridefinito costantemente gli schemi dell’arte contemporanea, poiché l’arte è riflesso dell’universo così come l’uomo lo è per la società. Ma cos’è questo riflesso e come lo si percepisce? Marina Abramovic tenta una risposta entrando nel cosiddetto “spazio di mezzo”, un misterioso varco di mistica energia insito in ogni essere umano. Cos’è questo spazio di mezzo e soprattutto, come lo si raggiunge?

Nata a Belgrado da una famiglia di ex militari partigiani della seconda guerra mondiale, verso la fine degli anni Sessanta approda come artista nello Student Cultural Centre, fulcro creativo e anticonformista della città che, nella Jugoslavia autoritaria di Tito, promuoveva artisti locali dal grande appeal anticonvenzionale. È proprio qui che, sotto l’influsso di artisti internazionali come Joseph Beuys, Marina sviluppa il proprio concetto di arte come performance, incapace di essere autoreferenziale perché bisognosa di un dialogo, di un riscontro attivo, immediato e puro con il pubblico, concreto fautore del prodotto artistico finale. Il medium è il corpo dell’artista, ora forza motrice e conoscitrice dell’arte, in grado di catturare lo spettatore in dimensioni parallele e tuttavia vissute nella realtà del momento artistico. Per approdare a ciò però bisogna prima oltrepassare uno “spazio di mezzo”, lo Space in Between, una barriera da infrangere per raggiungere il punto più puro di noi stessi: un luogo con cui noi tutti, in quanto umani, dovremo prima o poi fare i conti.
Questo è anche il tema centrale dell’ultima pellicola dell’artista, The Space In Between (2016), che ripercorre i tratti più salienti del suo recente viaggio in Brasile, dove Marina ha potuto sperimentare nuove sensazioni derivate dall’incontro con forti poteri spirituali e riti tribali locali: «È quando abbandoni tutte le tue abitudini e ti apri completamente al destino. Sei aperto a nuove idee. Per me questo spazio è quello più creativo dove un artista si possa mai trovare. È quando tutto diventa vulnerabile, perché esci dalla tua zona di comfort».


Come la vita, l’arte è un rituale, un flusso irrazionale e continuo di sensazioni e azioni che spingono l’uomo fino al limite fisico e mentale. Lo stesso che Marina intendeva sfidare nel celebre Rhythm 0 (1974) che la rese famosa. Qui l’artista dispose su un tavolo, quello della Galleria Morra di Napoli, 72 oggetti, alcuni di piacere (piume, scarpe, bottiglie, ecc.), altri di dolore (catene, fruste, martelli) o di morte (pistola, coltello); poi vi appoggiò un foglio: «Sul tavolo ci sono 72 oggetti che potete usare su di me come meglio credete: io mi assumo la totale responsabilità per sei ore. Alcuni di questi oggetti danno piacere, altri dolore». Inizialmente il pubblico era titubante, le porgeva delle rose o le pettinava I capelli. Dopo alcune ore però, l’animo umano si fece belva: qualcuno tentò di stuprarla, qualcun altro di accoltellarla o di ucciderla con un colpo di pistola. È a questo punto che l’esibizione venne interrotta, avendo sorpassato i limiti umanamente accettabili.
Ma, dopotutto, non è forse questo lo Space In Between? Un luogo desueto in cui l’uomo deve fare i conti con qualcosa che non conosce o che forse ha sempre conosciuto: un’energia che pervade l’essenza stessa dell’essere umano.

-Daniela Di Placido.

Il Club Dei 27: «Giuseppe Verdi era fondamentalmente un gran figo!»

È semplicemente così che Mateo Zoni riassume, durante l’intervista rilasciata a CulturArte, il Giuseppe Verdi che ha voluto raccontare nel suo film Il club dei 27, distribuito nelle sale italiane il 26 febbraio scorso dall’Istituto Luce Cinecittà. La pellicola, a metà tra un documentario e una fiction, ci mostra un Verdi inusuale e un po’ rockstar attraverso il racconto di una divertente storia vera. Protagonisti i giovanissimi e impeccabili Giacomo Anelli e Irene Carra.

 

Ventisette sono le opere di Giuseppe Verdi, considerato il massimo compositore italiano. Nel paese del melodramma, Parma, dal 1958 c’è l’esclusivo Club dei 27: non è Forever 27, famoso club delle rockstar morte a quell’età, ma un club di persone che si chiamano come le opere di Giuseppe Verdi. Si presentano così: «Piacere, Traviata, Rigoletto, Giovanna d’Arco…». Così, nelle stesse zone in cui Verdi visse ed esercitò la sua arte, per i suoi estimatori tutto scorre nel migliore dei modi, fino all’arrivo di un ragazzino di soli 11 anni: Giacomo Anelli. Profondo conoscitore di musica classica e in particolar modo delle opere di Giuseppe Verdi (che considera quasi una guida spirituale), nonostante la tenera età il giovanotto è deciso a far parte dei 27, tanto da procurarsi la divisa e la spilla del club. C’è però un problema: non solo Giacomo è decisamente troppo piccolo, ma la carica di ogni membro del club dura a vita e, se uno di loro non muore, non c’è speranza di prendervi parte…

 

Allora Mateo, prima di tutto per rompere il ghiaccio volevo dirti che, non appena averlo sentito, del tuo film mi ha subito incuriosita il titolo in realtà: “Il club dei 27” rimanda infatti all’omonima espressione inglese che si riferisce agli artisti, principalmente cantanti rock, morti all’età di 27 anni. La cosa mi ha fatto sorridere ed è un riferimento voluto, immagino.

Mateo Zoni: Certo, era ovviamente un trucchetto per invogliare le persone a guardarlo perché, insomma, se pensi di trovarci Kurt Cobain invece di Giuseppe Verdi magari un pensierino ce lo fai. C’eri cascata, eh? [rido, ndr.] No dai, a parte gli scherzi, oltre al riferimento pop “Il club dei 27” è anche il vero nome del club di appassionati verdiani realmente esistente nelle zone di Parma, perciò diciamo che ho preso due piccioni con una fava.

Beh ottimo allora! Però a dire il vero la cosa in un secondo momento mi ha fatto sorridere anche perché, paradossalmente, il Verdi che dipingi tu nel tuo documentario è davvero una rockstar, è un Verdi che hai a dir poco strappato alla sua solennità, no?

Zoni: Certamente! Ma in realtà Giuseppe Verdi lo è davvero, è una rockstar. Lo si mostra sempre così imbalsamato e impettito ma non ci si rende conto che, anche e soprattutto in relazione a ciò che ha rappresentato per gli italiani a suo tempo — tralasciando un secondo la portata artistica, storica e socio-culturale che gli è giustamente dovuta — lui era fondamentalmente un gran figo!

Ti avverto che questa cosa che hai appena detto la scriverò esattamente così, cioè  utilizzerò «gran figo».

Zoni: Devi farlo, mi offendo altrimenti.

Benissimo. Per quanto riguarda l’ispirazione, invece, che mi dici? Non ti sarai svegliato un bel mattino con già in testa l’idea di andare a scovare e raccontare “Il club dei 27” tramite gli occhi di un piccolo genietto che vorrebbe tanto farne parte. Sembra qualcosa di strutturalmente complesso e quanto mai singolare che, presumo, avrà richiesto un pochettino di ricerca e lavorazione.

Zoni: A dire il vero non eccessivamente, no. Io sapevo che volevo raccontare Giuseppe Verdi e, nello specifico, la relazione che si era formata tra lui e gli abitanti delle zone in cui ha vissuto, principalmente Parma, per cui egli stesso ha fatto e dato molto; sapevo poi che doveva trattarsi di un documentario ma di una diversa forma, meno rigida e noiosa, dovevo solo trovare una chiave narrativa diciamo. Così l’Istituto Luce Cinecittà mi ha consigliato di indagare su questo club, che risale al 1958 e si rinnova ciclicamente, di 27 appassionati che dedicano il loro tempo libero alla memoria di Giuseppe Verdi. Ora, confesso che messa così la cosa non mi convinceva un gran che, perché sebbene il soggetto fosse molto interessante, parlavamo pur sempre delle vicende di un gruppo di uomini piuttosto anziani che non avrebbero avuto molta presa anche sulla metà di pubblico “giovane” diciamo, no?

Ah, lo chiedi a me che mi aspettavo Kurt Cobain?

Zoni: [ride] Esattamente! Per questo mi sono entusiasmato molto quando sono andato a parlare con i membri del club e, poco prima di andarmene sconsolato, mi hanno raccontato la divertente e soprattutto vera storiella di questo ragazzino, tale Giacomo Anelli, che da un po’ di tempo andava continuamente a bussare alla loro porta, si vestiva come loro, era un esperto verdiano quanto loro nonostante la tenera età e soprattutto voleva ardentemente essere uno di loro. Subito ho pensato: «Ecco, adesso sì che ci siamo! Devo conoscerlo!». Da lì in poi, essendo una storia così buffa, particolare e interessante da raccontare, il film era in pratica già scritto.

Poi la figura di Giacomo, del tutto sui generis, credo ti abbia aiutato molto a trovare un linguaggio simpatico ma comunque deciso e professionale che potesse toccare tutti. Forse è stato quasi fondamentale, oserei dire.

Zoni: Assolutamente, togli pure il “quasi”, perché Giacomo è stato capace di raccontare Verdi come se fosse suo zio ed era impossibile non empatizzare con lui. È stupefacente credo, agli occhi dello spettatore, questo ragazzino con questa passione fortissima e singolare che se ne sta lì a parlarti in modo così franco del Giuseppe Verdi che gli sta tanto a cuore. O, almeno, ai miei occhi è stato subito stupefacente. Poi è così piccolo e carino e allo stesso tempo ha le idee così chiare che in qualche modo devi dargli retta per forza, no?

Su questo non c’è ombra di dubbio, da spettatrice posso assicurartelo. Poi — correggimi se sbaglio — mi sembra che in alcuni punti del film a Giacomo sia anche affidato il compito di “impersonare” Verdi in alcune salienti vicende della sua carriera.

Zoni: Non sbagli affatto, anzi da una parte questa tua domanda mi fa sentire un pochettino sollevato perché non era in effetti semplicissimo da comprendere. Diciamo che per rendere il tutto abbastanza scorrevole, dal momento che volevo un documentario ma senza dubbio non volevo nulla di noioso o troppo didascalico, ho voluto unire circa tre linee narrative: quella del bambino melomane istruito da suo nonno, che gli faceva ascoltare musica classica fin da piccolo, l’avventura di lui per entrare nel club e infine la parte riguardante la biografia di Verdi, recitata proprio dal piccolo e unita alla componente documentaristica, formata dal repertorio di foto e video d’epoca dell’Istituto Luce Cinecittà. In questo modo la scena cambiava continuamente assetto, alternandosi in queste tre vesti, e la visione non risultava monotona o piatta come rischiava invece di succedere affidandosi totalmente allo stile documentaristico classico.

Di nuovo — parlando sempre da spettatrice, s’intende — devo trovarmi d’accordo con te. Per quanto riguarda invece la scelta di fare un prodotto che fosse a metà tra il documentario e la fiction, come mai non hai scelto la strada del biopic, magari con il piccolo Giacomo come protagonista? Ha senza dubbio talento, sarebbe stato in grado secondo me di reggere un film vero e proprio. Non avresti raccontato questa storia in nessun altro modo?

Zoni: No, non credo avrei mai raccontato questa storia in un altro modo: questa è la forma secondo me più credibile perché parte da una realtà concreta. L’avventura quasi alla Harry Potter di Giacomo è vera al 100% e l’avremmo falsata rendendola la sceneggiatura di un film completamente di fiction. Non è un caso che abbiamo voluto aprire il documentario con una delle sue interviste. All’inizio delle riprese aveva 11 anni, infatti abbiamo poi dovuto inserire un salto temporale, che poi si intervallano per tutta la durata del film. Diciamo che, essendoci già i presupposti documentaristici forniti dal contesto reale, c’era anche la possibilità di introdurre poi scene di finzione e non avevamo bisogno d’altro: mi piace sempre cercare di raccontare la realtà e offrire allo spettatore un contatto particolare con la storia.

Beh, se posso dirlo, alla fine l’hai sfangata molto bene, ma diciamo che non hai scelto una strada semplicissima. Voglio dire, tutte queste linee narrative da unire in un documentario che in realtà lo è solo in parte, come minimo avrai litigato svariate volte con chi si occupava del montaggio.

Zoni: [ride] Non sai quanto hai ragione! Mi piace complicarmi la vita, eh? Ma poi la cosa bella è stata che, delle quaranta persone che lavoravano per me, nessuno sul set capiva bene cosa io stessi facendo e io dovevo dare l’idea di star seguendo una direzione precisa e chiara quando in realtà io stesso non avevo ben chiara la situazione. È stato tutto un esperimento che poi si è inverato e, nonostante comunque avessi sempre avuto un progetto mentale di cosa volevo, ho capito davvero cos’era quando l’ho finito. Ovviamente tutto ciò ha creato vari contrasti con chi si occupava del montaggio — come hai intuito tu — perché era qualcosa di davvero complicato da fare, simile a un mosaico: non c’era una voce narrante che spiegasse qualcosa, quindi doveva essere tutto legato bene e in maniera perfettamente comprensibile senza spiegazioni. Poi non volevo risultasse pesante, perciò le interviste, le scene di finzione e i video e foto d’epoca andavano montati in maniera complementare e alternata non in tre compartimenti stagni sequenziali. Questo ha messo tutti un po’ in difficoltà, ma alla fine il risultato mi sembra sia stato abbastanza gradevole.

Assolutamente sì! Già il fatto che Rai 1 abbia deciso di mandarlo in onda come “Speciale” ne sancisce una certa qualità, credo, poi se calcoliamo che lo ha mandato la sera di Pasqua — in seconda serata, per giunta — e nonostante queste condizioni apparentemente avverse “Il club dei 27” ha comunque ottenuto ottimi dati di share, puoi largamente ritenerti soddisfatto direi.

Zoni: [ride] Sì, beh, in effetti non mi sarei mai aspettato di ottenere lo stesso share de “L’Isola dei Famosi” quella sera. Poi la cosa che mi ha davvero stupito è stata la popolarità tra i giovani, tra i più piccolini nello specifico, anche nelle sale: questo significa che davvero la storia ha avuto su tutti, indifferentemente dall’età, la potenza e l’impatto visivo che desideravo. I riconoscimenti vinti a Bologna, anche, mi hanno davvero aperto il cuore e sono arrivati in maniera del tutto inaspettata, considerando che non mi aspettavo affatto questo livello di gradimento e risonanza: era un film che sentivo di fare più che altro per me, così come tutti gli altri del resto.

Cosa intendi con quest’ultima affermazione? Considera che è la mia ultima domanda, perciò rispondimi come se in chiusura dovessi spiegare a un giovane e aspirante regista, ovvero al te di poco tempo fa visto che non siamo poi così lontani d’età, cosa serve per fare il tuo lavoro. Anzi più che altro come “ce la si fa” a farsi spazio tra i colossi del cinema e a fare il tuo lavoro ad oggi.

Zoni: Eh… Ti piacciono le domande difficili, vero? [ridacchia] Dunque, senza dubbio ci vuole tanta determinazione e forza d’animo: come hai detto tu bisogna farsi spazio tra dei colossi, il che significa che bisogna anche essere preparati a prendere parecchie “mazzate”. Poi come ho detto a me piace pensare che ogni film vada fatto per se stessi indipendentemente dalla ricerca dei consensi di pubblico e critica. Sia chiaro, non sono uno di quelli che schifano a prescindere la “commercialità” nei prodotti cinematografici: esistono vari generi cinematografici proprio per questo e anche a me piace sedermi in tutta leggerezza a guardare una bella commedia o un action pieno di effetti speciali da panico; penso solo che non si debba mai rinnegare la propria essenza quando si decide di fare il regista, perché in ogni film c’è un pezzo di chi lo ha girato e voluto. Intendevo questo dicendo che, pur non aspettandomi un tale livello di gradimento e risonanza, l’ho fatto comunque questo film, come tanti altri che sapevo potessero risultare forse un po’ “particolari” o difficili da realizzare. Che poi, mi sento di dire soprattutto questo ad un aspirante regista, è importantissimo mettersi sempre in difficoltà: bisogna sapersi sfidare all’ultimo sangue per poi vincersi e riuscire ogni volta, sempre meglio.

Bene Mateo, nell’informarti che quest’ultimo pensiero lo metterò in evidenza quando lo scrivo, [ride] ti ringrazio anche a nome di CulturArte per aver parlato con me e ti auguro di continuare a raccontarci così bene mille altre storie dalla tua postazione di regia.

Zoni: Grazie a voi ragazzi, me lo auguro anche io!

-Margherita Cignitti.

«Vedo solo quel che devo»: Hitler Contro Picasso e gli altri

– Avete fatto voi questo orrore, maestro?
– No, è opera vostra.

 

Così rispose sul Guernica Picasso all’ambasciatore tedesco Otto Abetz, in visita al suo studio dopo l’occupazione di Parigi ad opera dei nazisti. E questo, paradossalmente, uno dei pochi riferimenti sul pittore all’interno del film-evento Hitler Contro Picasso e gli altri, proiettato nelle sale romane il 13 e il 14 marzo 2018. Un documentario, quello impresso sulla pellicola di Claudio Poli prodotta dalla NexoDigital in collaborazione con SkyArte HD, che racconta l’ossessione del regime nazista per l’arte, le compravendite, i saccheggi e le enormi contraddizioni delle scelte di Hitler in merito all’inestimabile patrimonio in suo possesso.

La sublime voce di un insospettabile, bravissimo Toni Servillo accompagna lo spettatore attraverso immagini e video d’epoca, interviste a esperti e testimonianze, spesso anche molto crude, di chi la guerra l’ha vissuta, in tutti i sensi: perché se trafugare opere d’arte da tutta Europa, catalogarle e stiparle in luoghi nascosti e sicuri fu un lavoro lungo che impiegò la vita di moltissime persone, le ricerche di quelle stesse opere, il loro recupero e le estenuanti battaglie legali per riappropriarsi di cimeli di famiglia o semplicemente ricordi di una vita rubata è tutta un’altra storia. Tutt’oggi, parte del bottino nazista è introvabile; tutt’oggi, molti dei legittimi proprietari delle opere d’arte ritrovate devono lottare per riottenere ciò che è loro.

Tanta, tantissima l’arte mostrata nell’arco di tutto il film: non solo le opere ammirate e rubate o nascoste dal regime, ma soprattutto quelle disprezzate. Perché Hitler era sì contro Picasso, ma anche contro Chagall, Matisse, i Fauves: la loro era un’arte degenere, orribile, contraria a tutto ciò che la società tedesca avrebbe dovuto incarnare, eppure trafugata anch’essa alla stessa maniera e con lo stesso ritmo dell’arte classica ed esposta in un museo a parte, quello appunto dell’arte “degenerata”. Molte le storie che vengono raccontate, fra cui il ritrovamento, a Monaco di Baviera nel 2012, di numerosi pezzi d’arte nella casa del nipote di uno dei commercianti d’arte di Hitler: non solo una vicenda interessante e recente, ma anche un monito che lascia intendere come, nonostante si cerchi di insabbiare questo capitolo della storia umana, esso sia tutt’altro che pronto ad essere chiuso e anzi pieno di domande ancora in attesa di una risposta.

Una cosa più di tutto, però, ha attratto la mia attenzione, con una forza tale da diventare il titolo della mia riflessione, in maniera totalmente avulsa dal contesto artistico e in un modo che ancora non mi riesco a spiegare — tanto che, spesso, mi chiedo ancora se l’abbia visto davvero; per un secondo, verso la fine del docu-film, presumo su uno dei musei tedeschi (un grande palazzo bianco e rettangolare) ho visto affissa una frase in italiano, probabilmente risalente al periodo nazista: «Vedo solo quel che devo».

Centinaia i motivi per cui una frase del genere si sia potuta trovare in quel posto, ancora di più i significati che le si potrebbero attribuire: è però, di base, l’atteggiamento durante i regimi, quello nazista e quello fascista. Le persone, spinte probabilmente dalla parvenza di stabilità ritrovata dopo la Grande Guerra o dal trovarsi “dall’altro lato” delle persecuzioni, tendevano a vedere solo ciò che dovevano (e volevano) vedere, convincendosi che non ci fosse altro: questo l’atteggiamento maggioritario nei confronti delle deportazioni, dei furti e della condotta proibitiva e razzista del regime. È un comportamento perfettamente insito nella nostra specie eppure percepito come il meno umano possibile: la vera banalità del male, l’istinto di conservazione che ci spinge a distogliere lo sguardo in situazioni pericolose, cercando di vedere solo ciò che si dovrebbe vedere, sforzandosi (con nemmeno troppa difficoltà) di credere a ciò che viene detto. Sempre sul finire del film un sociologo intervistato, teorico del comportamento nazista, rifletteva su come, nel corso dei suoi studi, non avesse ancora incontrato nemmeno una persona veramente “malvagia” nel senso assoluto del termine: solo umani, vittime e carnefici spesso inconsapevoli di giochi di potere più grandi di loro, alle prese con una specie di follia collettiva per cui, data la licenza di uccidere, torturare e condannare, si uccide, tortura e condanna per non essere uccisi, torturati e condannati, fino a che non si diventa insensibili al dolore, proprio e altrui.

Forse questa situazione si sta ripresentando: sicuramente non ai livelli del passato, ma la memoria collettiva è spesso troppo corta e non ricorda come la sottovalutazione delle dinamiche di potenza, la desensibilizzazione alla sofferenza dell’altro e la strumentalizzazione politica dell’insoddisfazione generale possano portare a eventi catastrofici.
Non bisogna distogliere lo sguardo, non bisogna ignorare chi ha bisogno di aiuto: non si può evitare di sentire lo sparo di un fucile solo perché non è accaduto nel proprio giardino.

 

-Rosanna Saccucci.

“Pertini – Il Combattente”… ma anche un presidente molto popular

Dopo aver assistito all’anteprima stampa del film Pertini – Il combattente (dal 15 Marzo al cinema), noi di Culturarte abbiamo intervistato per voi il regista, Graziano Diana, riguardo le difficoltà e gli intenti nella realizzazione di un documentario che scava nella vita di un’icona decisamente pop per essere un ex Partigiano Presidente della Repubblica.

 

Esistono uomini talmente smisurati, complessi e contraddittori che sembra impossibile raccontarli. Per esempio, come si racconta la vita di uno come Sandro Pertini, il presidente della Repubblica ‘più amato dagli Italiani’, uno di cui perfino un giornalista politicamente assai lontano da lui come Montanelli lodava ‘il profumo di onestà’ che emanava qualunque sua azione?

Così recitano le ‘note di regia’ con le quali Graziano Diana e Giancarlo De Cataldo provano a renderci partecipi dell’immenso impegno che si è reso necessario per raccontare la storia del giovane soldato delle trincee della Grande Guerra, del militante socialista, del fuggiasco perseguito dalla Patria, del Partigiano, del presidente della Camera e in fine della Repubblica Sandro Pertini: un solo uomo, almeno sei vite, e un amore per i suoi italiani che in fin dei conti andava ben oltre gli specifici orientamenti politici. Come raccontare un’esistenza così varia e protagonista di tutte le stagioni del Novecento italiano? Come omaggiare un simbolo che la moderna storia italiana ha già innalzato ad icona popolare?
Graziano Diana e Giancarlo De Cataldo fugano, con non poca difficoltà, questi dubbi imbarcandosi nell’impresa di produrre un film sulla vita di Sandro Pertini. Un uomo il cui viaggio sulla strada della libertà coinvolse e sconvolse la cultura di massa richiedeva un biopic di stampo pop che avesse comunque il volto di un importante documento storico, il tutto nella cornice dell’altrettanto importante e delicato periodo storico attuale. Partendo dall’omonima opera dello stesso De Cataldo — dalla quale l’intero film è fedelmente tratto —
Pertini – Il combattente ci spiega ‘il Presidente più amato dagli italiani’ con l’attenta pedagogia tramite la quale è giusto che venga filtrata la pesante fetta di storia che pesò sulle spalle dell’esile fumatore di pipa; allo stesso tempo, la sua genuina simpatia ci strappa qualche commosso sorriso, dettato dall’inevitabile effetto amarcord. Così, tra una partita di carte con Dino Zoff ed Enzo Bearzot sull’aereo presidenziale di ritorno dai Campionati Mondiali di calcio dell’82 e tragedie come il caso Moro e la strage di Bologna, impariamo a conoscere il “nonno d’Italia”, che con una mano cercava al suo popolo (che amava a dismisura e nel quale aveva piena fiducia) un tetto e ne risanava lo spirito e con l’altra lo prendeva per mano, insegnandogli che «non esiste libertà senza giustizia sociale e non esiste giustizia sociale senza libertà».


Un plauso va dunque in primis alla regia e sceneggiatura di Diana e De Cataldo, che rispettosamente e in punta di piedi si sono fatti largo nella storia e nei nostri cuori, soddisfacendo pienamente le aspettative, ve lo assicuriamo. Un ringraziamento ulteriore e più ‘personale’ va poi all’intera produzione nelle persone di Gloria Giorgianni, Cesare Fragnelli, Carlotta Schininà e Tore Sansonetti, in collaborazione con
Anele produzioni, Altre Storie, Sky Cinema e Rai Cinema, che ha concesso a noi di Culturarte l’opportunità di partecipare all’anteprima stampa del film (dal 15 Marzo al cinema) e di intervistare il disponibilissimo e gentile Graziano Diana del quale riportiamo qui di seguito le riflessioni.

Semplicemente, per finire, grazie a tutti coloro che hanno reso possibile il concretizzarsi di questo ‘film documento’ del quale avevamo tutti un po’ bisogno.

 


Come mai ha deciso di lanciarsi in questo progetto di narrare oggi Alessandro Pertini, partendo dal libro di Giancarlo De Cataldo? Come mai ha deciso di codirigerlo con De Cataldo stesso?

Graziano Diana: L’idea ci è nata insieme. Avevo già lavorato con De Cataldo in molteplici occasioni in questi anni: avevamo scritto una serie televisiva chiamataIl Giudice Mastrangelo, in cui recitava Diego Abatantuono. Ho sceneggiato un suo libro, poi divenuto un film diretto da Ricky Tognazzi: “Il Padre E Lo Straniero… insomma, abbiamo fatto parecchi lavori insieme e ci conosciamo da parecchio tempo, siamo molto amici. Tra questi progetti, 10 anni fa o anche di più decidemmo di realizzare una miniserie televisiva su Alessandro Pertini. Noi l’abbiamo scritta e in quell’occasione abbiamo anche conosciuto il giudice Mario Almerighi, presidente della fondazione Pertini, e anche Carla Voltolina (la vedova Pertini, ndr.) a cui avevamo sottoposto la nostra sceneggiatura. Lei sulle prime fece un po’ di resistenze, anche per rispettare il volere di Pertini di non voler essere celebrato, ma alla fine riuscimmo a convincerla insistendo sul fatto che non fosse un film, quanto più un semplice sceneggiato. La cosa, nonostante la sua benedizione, non andò in porto. Tuttavia De Cataldo tempo dopo, sollecitato da Rizzoli che gli chiedeva di scrivere un ritratto riguardante una figura che lui ammirava, scelse appunto Pertini e riportò nel libro anche le sedute di sceneggiatura di questo nostro tentativo di fare della sua vita un film. Dopo la pubblicazione del libro ci è quindi tornata la voglia di rioccuparci di Pertini e di farlo tramite questo docufilm. Insomma, il percorso è stato lungo e articolato ma finalmente oggi è arrivato in porto!

Parlando della trasposizione dal libro al film, nel libro è presente la figura del figlio 13enne di De Cataldo a cui il padre tenta di spiegare la grandezza dell’uomo Pertini. Nel suo film, questo elemento pedagogico viene ripreso attraverso la scelta di un gruppo di ragazzi che ascoltano De Cataldo narrare e introdurre le testimonianze raccolte nel documentario. Come mai ha deciso di conservare questo aspetto del libro trasfigurandola in questo modo?

Diana: L’idea di De Cataldo è rimasta nel docufilm attraverso l’incontro tra Giancarlo e questo gruppo di ragazzi, tra cui tra l’altro c’è anche suo figlio. Quell’ossatura centrale, questo centro nevralgico del libro è stata quindi trasposta nel film con l’intenzione di raccontare del presidente e di confrontarci con i giovani per scoprire cosa loro sanno di Pertini e cosa noi possiamo raccontare loro. È proprio Gabriele nel film, il figlio di Giancarlo, a indicare l’importanza di ciò sottolineando che: «Non c’è oggi qualcuno come Pertini capace di rapire una generazione».

Molta attenzione è prestata nel suo film allo status di icona pop del presidente Pertini, alimentato dalle sue apparizioni televisive e dai fumetti di Andrea Pazienza. Pensa che una personalità come Pertini avrebbe mantenuto il suo statuto iconico anche nel moderno contesto mediale, filtrato dalle logiche di Internet?

Diana: Assolutamente! Penso che nella sua curiosità, che non è mai venuta meno, si sarebbe divertito nell’interazione coi social esattamente come si divertiva con le tavole di Pazienza, che aveva addirittura invitato al Quirinale. Non ha mai smesso di confrontarsi con i ragazzi, e amava aver con loro un contatto diretto. Userebbe quindi sicuramente tutti i mezzi che oggi sono a disposizione per farlo, e non faticherei a immaginarlo usare Instagram. Andava spesso al cinema e a teatro e di conseguenza amava il mondo dell’arte, della rappresentazione e il suo passato da giornalista lo spingeva certamente a ammirare anche il mondo della comunicazione.

Il film esibisce una serie di brani musicali editi che omaggiano Pertini, nella loro interezza o anche attraverso un solo verso, tutti creditati al margine dello schermo durante l’esecuzione e mai usati come semplice accompagnamento delle immagini. Come mai ha scelto di dare tanto importanza alla musica?

Diana: Perché il numero e la diversità delle canzoni che sono state dedicate a Pertini ci ha molto sorpresi! Mentre facevamo le nostre ricerche conoscevamo certamente il brano di Antonello Venditti, L’Italiano di Toto Cutugno o il pezzo degli Skiantos, però vedere quanti autori erano rimasti influenzati dalla figura del presidente tanto da citarlo nelle proprie canzoni ci ha stupiti e ci ha anche davvero divertiti. Nel voler quindi raccontare con stili diversi un personaggio così sfaccettato come Pertini l’idea di questa playlist variegata ci è piaciuta tanto. L’abbiamo principalmente usata per scandire i capitoli. Non si nota troppo, ma ogni capitolo della storia ha per noi una sorta di copertina ideale rappresentata dalla canzone che abbiamo scelto di associarci, quasi a costituire la struttura ritmica del film.

Marcello Sorgi nel documentario sottolinea nel suo intervento come Pertini possa quasi essere considerato “un germe del populismo” (seppur ancora in forme bonarie) per la sua tendenza a pensare sempre prima al popolo che alle istituzioni. Ad oggi che il populismo qui in Italia è divenuta vera e propria forza per il consenso, quanto del populismo odierno riesce ad associare al Pertini presidente?

Diana: Personalmente ben poco. Quello di Pertini era un grido di indignazione che scavalcava i ruoli e che tendeva a riportare alle loro responsabilità il Governo o le istituzioni. Veniva fatto da una persona integra, integerrima e per bene quale Pertini era, che lo faceva per il bene della Nazione. Che questo suo atteggiamento possa essere considerato come “germe del populismo” di oggi lo riporta uno dei nostri intervistati e ne sono contento se questo può stimolare il dibattito e permettere di parlare di Pertini in una chiave più tridimensionale, senza ridurlo come una sorta di santino cartaceo. Gli intenti del presidente sono tuttavia completamente diversi, e anche lo stesso Sorgi sottolinea dopotutto come oggi il populismo sia di natura certamente più corrotta e usato in maniera totalmente differente.

Alla fine del documentario, De Cataldo ammette che il racconto è stato forse non troppo obiettivo ed anzi piuttosto simpatizzante nei confronti di Pertini. Quali sentimenti le riporta personalmente la sua figura?

Diana: Il nostro è stato un atto di onestà. Noi vogliam bene al Presidente Pertini, a quello che ha rappresentato per noi e a quello che ha rappresentato nella nostra storia. Noi che a quel tempo eravamo ragazzi non potevamo che vederlo come un oggetto di ammirazione. Ora sono passati un bel po’ di anni ma l’adorazione per la sua figura rimane e per quanto ne si possa criticare il carattere burbero, la possibilità che abbia dato avvio al populismo o altro, noi speriamo che le nuove generazioni siano pronte a conoscerlo e apprezzarlo come facevamo noi.


-Margherita Cignitti &

Vincenzo “Notta” Riccardi.