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Un giorno di pioggia a New York – sotto la pioggia sboccia l’amore

Woody Allen torna a Manhattan con “Un giorno di pioggia a New York”, una commedia romantica che racconta la storia di due fidanzatini del college, Gatsby (Timothée Chalamet) e Ashleigh (Elle Fanning), i cui piani per un weekend romantico da trascorrere insieme a New York vanno in fumo non appena mettono piede in città. I due, fin dal loro arrivo nella grande mela, si ritrovano separati e si imbattono in una serie di incontri casuali e bizzarre avventure, ciascuno per proprio conto, ognuno alla ricerca di se stesso.

Gatsby incontra Chan, la sorella minore di una sua vecchia fiamma, che lo accompagna in questa folle giornata a New York, mentre Ashleigh si ritrova a interfacciarsi, a causa di una intervista commissionatagli dal giornalino del college, con il mondo dello spettacolo, tra l’eclettico regista Pollard (Liev Schreiber) in piena crisi artistica, il tormentato sceneggiatore Ted Davidoff (Jude Law) e il famoso attore sudamericano Francisco Vega (Diego Luna).

I personaggi di Un giorno di pioggia a New York hanno tutti problemi inerenti alla propria identità. Gatsby ha quello più ovvio: non conosce ancora se stesso. Gatsby viene da una famiglia benestante di New York, appartiene ad un’epoca passata: preferisce i film classici hollywoodiani e la musica di Gershwin a qualsiasi cosa contemporanea. Vive alla giornata, tra una partita a poker e una corsa di cavalli e non ha alcun piano per il futuro. Non è per nulla soddisfatto dalla sua vita, tanto che (tramite l’eccellente interpretazione di Timothée Chalamet) si lascia ad un’interpretazione di un motivo celebre degli anni ’40, “Everything Happens to Me”, che parla dell’uomo più sfortunato della Terra. Quella canzone potrebbe sembrare una scelta poco ovvia per Gatsby, che ha tanto nella vita, ma serve a rivelare il fatto che lui invece non è felice.

La personalità di Ashleigh è ancora del tutto indefinita: quando incontra Vega è così stordita dalla sua fama da dimenticarsi addirittura il proprio nome e due volte nel film tira fuori la patente per potersi identificare. Lo sceneggiatore Davidoff vive all’ombra del regista Pollard, sempre in secondo piano come autore. Pollard, a sua volta, ha perso il contatto con l’artista che era una volta. Infine Vega ha i suoi problemi da attore chiamato ad interpretare sempre lo stesso ruolo.

Per sottolineare il fatto che i protagonisti del film hanno difficoltà a farsi riconoscere per quello che sono, sul piano visivo i loro volti sono spesso oscurati, in ombra. Un esempio è quando il finestrino della macchina, nella location dove si sta girando il film, mostra il riflesso di quello che c’è fuori, anziché Gatsby e Chan che siedono dentro l’auto, grande intuizione questa del direttore della fotografia Vittorio Storaro (che ha già collaborato con Allen per Café Society e La ruota delle meraviglie), il quale riesce inoltre ad alternare sapientemente luci diverse per enfatizzare le differenze nelle personalità di Gatsby e Ashleigh.

Ruolo da protagonista nel film lo ha ovviamente la pioggia che simboleggia. per Allen, il romanticismo e l’amore. La pioggia suggerisce anche il modo diverso in cui Gatsby e Ashleigh vedono la vita: se per Gatsby la pioggia è romantica Ashleigh la trova triste e deprimente. Il tempo è un altro dei temi importanti del film e non è un caso che un orologio appaia spesso nella storia. Gatsby e Ashley arrivano a New York un sabato mattina con l’intenzione di ripartire la mattina dopo. Siccome Gatsby ha pianificato tutto al minuto, sappiamo sempre che ora è e come le cose stiano sfuggendo al suo controllo. Da non sottovalutare inoltre il comparto musicale della pellicola, che accompagna tutto il film con lente ballate da pianobar e musica jazz, connettendo lo spettatore con quei locali suburbani tanto amati da Gatsby.

In definitiva, “Un giorno di pioggia a New York” è la versione di Woody Allen delle vecchie commedie romantiche di Hollywood, contornata dalla sua sottile ironia e il tipico black humor. Un film che, come ci ha abituato da sempre il regista newyorkese, parla di cinema attraverso il cinema e i suoi personaggi, ognuno dei quali rappresenta una parte diversa della sua personalità.

 

 -Marco Parrulli

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Danza e pittura: una grande storia d’amore

Lo spettacolo di danza contemporanea Alma Tadema, coreografato da Ricky Bonavita con la compagnia Excursus e le musiche di Francesco Ziello, è un omaggio al pittore vittoriano del XIX secolo Lawrence Alma Tadema. L’arte che incontra l’arte: un connubio perfetto tra danza e pittura, rappresentato sul palco del Teatro Vascello di Roma, venerdì 15 novembre 2019.

Sulla scena sei danzatori hanno ripreso i soggetti dei quadri di Alma Tadema, proiettati sullo sfondo, attraverso una narrazione episodica che ha dato luce alla ricostruzione della storia dell’antico mondo romano tra decadenza e fastosità. Una danza travolgente in cui ogni ballerino è stato protagonista dei diversi episodi, alternandosi in assolo e pezzi corali. Lo spettacolo è un prodotto della riflessione del coreografo sull’importanza dell’antichità e del suo ricordo nel presente. Si tratta di un viaggio di immagini trasposte attraverso i movimenti del corpo sul palco, in cui non mancano momenti di enfasi performativa volti a stupire e far riflettere  il pubblico. Le scene di maggior rilievo hanno visto sempre protagoniste le 3 danzatrici (centrale il ruolo della donna), che mostrano il loro carattere trasgressivo con danze e richiami sessuali.

Ciò che ha colpito profondamente è la professionalità, la morbidezza dei movimenti dei danzatori i cui corpi volteggiavano nello spazio, seguendo le melodie che hanno arricchito la performance; notevole è stata la capacità espressiva dei danzatori anche attraverso la mimica facciale che ha confermato la valenza pantomimica della danza. Le coreografie hanno previsto una scena iniziale collettiva, con il susseguirsi di assolo, duetti, trio interamente maschile o femminile e altre parti corali.

74614778_2309158842727857_3700041487153627136_n.jpgRicky Bonavita

Il pubblico, composto da varie fasce d’età, è rimasto ipnotizzato in religioso silenzio per l’intera durata dello spettacolo; al termine, è seguito uno scrosciante applauso per i danzatori e il coreografo. A due amanti e studiose della danza come noi ha affascinato la genialità nella reinterpretazione dei quadri da parte di Ricky Bonavita. Ancora una volta abbiamo avuto la conferma del potere della danza che, una volta iniziato lo spettacolo, ci ha completamente estraniate dal mondo esterno rendendoci partecipi e stupefatte allo stesso tempo dell’intero capolavoro.

 

-Martina Sarcina, Giada Gambula

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Narcisismo e Gaslighting

Il Gaslighting è una forma di manipolazione psicologica mirata ad alterare la percezione della realtà di un individuo o di una collettività, la quale viene distorta attraverso menzogne, contraddizioni continue e persistenti negazioni della realtà oggettiva.
L’origine del termine “Gaslighting” deriva dal titolo dell’opera teatrale di Patrick Hamilton del 1938, nella quale un uomo assoggettava la moglie modificando l’intensità dei lumi a gas della loro casa, raccontando però alla donna che tale variazione di luce non fosse reale e che lei stesse diventando pazza; infatti le vittime di questo tipo di violenza psicologica arriveranno lentamente a mettere in dubbio la loro memoria, la loro sanità mentale ed infine nei casi più gravi la loro stessa identità. In altri termini è un insidioso, reiterato, sottile e gratuitamente violento “lavaggio del cervello” che spesso e volentieri è accompagnato da vera e propria violenza fisica.

Le domande che spontaneamente sorgono da questa inquietante definizione sono molte: chi mai potrebbe affliggere una simile tortura ad un altro essere umano e perché?
Le fonti nella letteratura di psicologia e psichiatria sono piuttosto concordi su questo punto, stiamo parlando del narcisista.
L’individuo affetto dal disturbo narcisista di personalità, descritto nel “Manuale diagnostico e statistico dei disturbi mentali” – a cui rimando per una descrizione completa –  ha tipicamente la convinzione di essere incredibilmente migliore degli altri, un senso del sé a dir poco grandioso e un’empatia bassissima che gli consente di non provare rimorso quando manipola le persone che lo circondano, mosso dal desiderio sadico di potere e soprattutto di fama e riconoscimento sociale. Queste persone difficilmente potranno sperimentare l’amore, ciò che desiderano è solo il controllo sugli altri e sono abili nel simulare anche le emozioni più complesse, come ad esempio il pentimento. Il narcisista non riconosce o non dà importanza a sentimenti altrui, non desidera identificarsi con i loro desideri; non riesce ad accettare di essere messo da parte, di ricevere critiche di ogni tipo ed è spesso soggetto ad ossessione e rimuginio mentale, all’invidia cieca del prossimo. La prima realtà ad essere drammaticamente alterata è proprio quella in cui vive. Per avere un’idea della pericolosità di questi soggetti si pensi che ogni psicopatico è anche dapprima un narcisista, anche se non è sempre vero il contrario. Questa patologia è inoltre incredibilmente subdola poiché coloro che ne sono affetti statisticamente sono anche allegramente inconsapevoli del loro disturbo e non cercano di farsi curare, se costretti saranno propensi a mentire al proprio terapista.

Alla luce di ciò non è difficile immaginare la disinvoltura con la quale un narcisista possa minare la fiducia, verso il mondo e verso se stessa, della sua vittima. Il meccanismo che viene messo in atto è per esso semplice quanto perverso: l’individuo abusante usurerà l’esistenza psicofisica della vittima attraverso la negazione di circostanze realmente esistenti o l’invenzione di un falso passato, simulando ad esempio eventi che la vittima avrebbe dovuto ricordare ma che non sono mai esistiti, o fingendo di aver pronunciato delle affermazioni o di aver preso con la vittima determinati accordi che essa ovviamente non potrà mai ricordare, perché mai concordati. Il narcisista mira ad abbattere i confini dell’individualità dell’altro, i suoi diritti elementari, per usarlo a suo piacimento  e farlo sentire costantemente su un’altalena emotiva. Un momento prima speciale, un momento dopo la sua rovina. Lo punirà come si fa con i cani quando non obbediscono, mettendogli la testa nelle loro deiezioni. Gli farà credere che in ogni caso la colpa è solo sua, che lui gli vuole bene, che l’ha costretto a fargli del male. “Guarda cosa mi hai fatto fare”; la conversazione durante il gaslighting è piena di silenzi assordanti, è frammentaria e distorta soprattutto nelle prime fasi, quando la vittima ha ancora la forza di mettere in dubbio gli inganni del suo carnefice; per lei sarà il momento della confusione. La vittima userà la sua razionalità per cercare dunque di instaurare un dialogo per comprendere il senso di quella spaventosa illogicità, una forma di proiezione su di sé di ciò che percepisce come un malessere di chi in realtà la sta tormentando, ma ciò avrà come sola conseguenza quella di renderla ancora più esausta nel suo tentativo.

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E’ qui che la malcapitata perde le sue energie mentali per poi divenire un guscio vuoto, completamente dipendente, sola, ed è proprio su questo che si può intervenire: per far funzionare questo disturbante meccanismo il narcisista deve isolare la sua vittima e manipolarla quotidianamente. Per questo, se si ha il vago sospetto di essere in una situazione del genere, bisogna immediatamente tornare alla realtà, uscendo dalla soffocante situazione nella quale ci si relaziona quasi esclusivamente con il proprio carnefice, parlando apertamente con amici, familiari, psicoterapisti e figure legali che possano tutelarvi. Non c’è miglior terapia della parola, raccontare come ci si sente davvero, validando le proprie emozioni che vengono costantemente minimizzate, esagerate, invalidate o derise.

Esaminando il fenomeno in un’ottica più ampia, il gaslighting è ovunque; pur essendo paradigmatico in una relazione amorosa, può verificarsi in famiglia, nel rapporto tra amici, sul posto di lavoro, in una coppia di qualsiasi tipo. Nella definizione iniziale ho parlato della collettività come potenziale destinataria del gaslighting e non a caso: la comunicazione politica può essere estremamente mistificatoria. Esiste ed è sotto gli occhi di tutti come determinati politici del nostro tempo non solo siano contraddittori ma si avvalgono dei social network per confondere, banalizzare, diffondere notizie false e poco chiare, consumando lentamente la coscienza di un’intera popolazione che diventa sempre più dipendente dallo slogan semplificato di qualcuno, sempre più influenzabile.

Per contrastare sia il narcisista che la società narcisista, la soluzione risiede sempre e solo nel ripartire dal basso, da noi. Dal resistere ridefinendoci come esseri umani pensanti e non come consumatori. Definire e difendere la nostra identità ma allo stesso tempo creare una comunità diversa, reale e non virtuale, per fuggire dall’alienazione verso la quale siamo spinti. Si potrebbe iniziare dal rispondere ad una delle domande più drammaticamente difficili del nostro tempo: chi siamo e chi vogliamo diventare.

Il vero dramma del gaslighting è proprio questo, ti priva di tutto ciò che sei, ti divora. Eppure anche quando ci sembrerà di non avere che il nulla dentro, dovremmo ripartire non dalle etichette che ci hanno dato, ma dal nostro centro, dalla nostra vita, dalla riappropriazione del corpo, dal nostro respiro.

La meravigliosa Nina Simone cantava così nel 1968:” Ain’t got no friends, ain’t got no schoolin’/Ain’t got no love, ain’t got no name/(…)Why am I alive, anyway?(..)Got my heart, got my soul/(…)I’ve got life, I’ve got my freedom/ And I’m going to keep it/I’ve got the life”.

-Alessandra Testoni

 

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Tlamess: un film dall’estetica sensoriale

Il MedFIlm Festival si dimostra essere, ancora una volta, un palco cinematografico mai banale. Nell’ultima serata alla quale ho partecipato, ci ha offerto un’esperienza pienamente visionaria e sensoriale: Tlamess. Come il film di apertura del Festival, It Must Be Heaven (link all’articolo: http://www.culturarte.it/2019/11/11/medfilm-festival-un-mare-fra-spagna-e-palestina/), anche quest’opera si presenta quasi del tutto priva di dialoghi, lasciando alle immagini il fardello della narrazione.

Scritto e diretto da Ala Eddine Slim, Tlamess è una coproduzione franco-tunisina, presentato a Cannes il maggio scorso. È la storia di un soldato, S. (interpretato dal poeta e musicista Abdullah Miniawy), che riceve un congedo di una settimana dopo aver assistito al suicidio di un suo commilitone ed essere venuto a conoscenza della morte della madre; S. torna a casa e coglie l’occasione per disfarsi di quegli abiti militari che lo hanno condotto alla solitudine e alla disperazione. Qui il film assume toni thriller: nel suo quartiere parte una caccia all’uomo, S. diviene la preda di alcuni ufficiali di polizia; scopre così di essere un fuggiasco. Ferito e senza abiti si indirizza verso la foresta, dove si nasconderà senza far mai ritorno.

Alcuni anni dopo la storia si sposta su una donna, F. (Souhir Ben Amara), che scopre e comunica a suo marito di essere incinta proprio nel momento in cui il suo matrimonio sembra soffrire una condizione di noia ed assenza del partner. In questa fase drammatica della pellicola anche F. si scopre in fuga: una mattina si avventura per una passeggiata nella foresta circostante la sua casa senza far mai più ritorno.

S. ed F. si incontrano in questo luogo al tempo stesso di perdizione, riscatto e salvezza, in una foresta che trattiene a sé ma al tempo stesso dà modo di ricercare una propria nuova identità. Il film in questa ultima fase cambia registro: non è più un dramma, non è più un thriller, bensì assume dei toni mistici, surreali. I due comunicheranno senza parlare, attraverso i loro sguardi installeranno un canale empatico che non li lascerà mai. In Tlamess torna il tema dell’imbarbarimento, gli uomini stanno tornando ad essere scimmie? Dal punto di vista di chi scrive il film non si offre una valida risposta a questo quesito, segnando a mio giudizio una nota a suo sfavore.

Slim realizza un film che ripercorre le tappe simboliche della ricerca dell’identità e del significato della vita, temi che quest’anno sembrano cari al MedFilm Festival. Il comparto tecnico del film, tra cui spiccano sicuramente la fotografia e il sound-design, si mantiene alto per tutto il film. Un tono più basso lo si registra in alcuni passaggi per quel che riguarda la narrazione.

La pellicola non nasconde dei chiari richiami al cinema di Kubrick. Innanzitutto, la sequenza del suicidio del soldato nei primi minuti del film strizza con evidenza l’occhio al celebre suicidio di Palla di lardo in Full Metal Jacket. Ma Slim non si limita a questo e forza il citazionismo inserendo addirittura il monolite di 2001: Odissea nello Spazio. La scelta non si rivela infelice o fastidiosa, poiché offre una palpabile chiave di lettura dell’opera a chi un minimo conosce la filosofia del capolavoro del buon vecchio Stanley.

 

-Alessandro Berti

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Disturbi – Teatro Ivelise

Buio, poi una tenue luce rossa che inquadra una sagoma femminile giacente a terra e nell’angolo un’altra figura attende composta il suo turno. Sullo sfondo invece uno schermo sul quale viene proiettato un caleidoscopio di immagini e suoni discordanti, interrotti da una voce femminile: glaciale, pungente, sibillina. Nel segno di questo schema triadico ci si immerge nella realtà di Disturbi, diretto da Olivia Balzar e tratto dal romanzo Disturbi di personalità dell’autrice pugliese, romana di adozione, Ilaria Palomba, a cui abbiamo avuto il piacere di assistere al Teatro Ivelise domenica 10 novembre (terza giornata di replica e pure di sold out!).

Perseguitata da paure e incertezze, la protagonista (interpretata brillantemente da Luisa Paradiso) s’imbatte in due amori fugaci, (Giacomo di Biasio e Davide Cherubini), immersa in una spasmodica ricerca di equilibrio che si sublima nella passione e nella tensione erotica. L’antidoto e il veleno, lo zenit e il nadir; due sagome imperfette, perciò complementari l’un l’altra, ma entrambe incapaci di donare la serenità e la completezza di cui la protagonista sente necessità e che saprà infine raggiungere altroveIl tutto si svolge sotto gli occhi vigili e onnipresenti dell‘Oracolo (di cui veste i panni Joe Filippi), un omaggio allo spirito ellenico e alla tradizione delfica; resta immobile sul suo trono ma interviene contrastando le tre ombre, figure vestite di nero allegoria della coscienza individuale, una coscienza corrotta, violata dai meccanismi di una società che umilia e mortifica l’essere umano.

Alla protagonista si accompagna una voce interiore, impalpabile e immaginaria, il suo disturbo. Sin da subito la donna mostra i chiari sintomi di un disturbo borderline: autolesionismo, abuso di farmaci, tentativi di suicidio e rabbia improvvisa, questo spiega anche la sua difficoltà di stabilire un rapporto duraturo nel tempo, probabilmente dovuta a quel trauma infantile che sin dall’inizio viene narrato.

Evocato solo nella mente e mai presente in scena è il “ragazzo delle altalene”, figura cardine del tortuoso sentiero che ha condotto la protagonista verso una singolare e cangiante follia, a volte dissimulata, altre fin troppo ostentata, la cui violenza inflitta nella prima adolescenza innesca un pericoloso meccanismo di dominazione e subordinazione, ostinato e tenace tentativo di riassumere il controllo del proprio corpo, violato nella carne e nella psiche.

Questa rappresentazione in un unico atto riesce ad emozionare e allo stesso tempo offrire validi spunti di riflessione. Un plauso va alla regia per la scelta brillante dei temi che hanno accompagnato l’intera esecuzione, tra tutti “The End” (superlativo brano dei Doors), le cui sonorità psichedeliche e ridondanti fanno da cornice all’atmosfera sospesa, onirica, all’interno della quale prende vita l’intreccio dei personaggi coinvolti. I disturbi mentali continuano ad essere minimizzati nella società odierna e non vi è informazione adeguata; la storia rappresentata è solamente una delle tante, questo spettacolo è riuscito a dar voce non solo ad una ragazza, ma a tutte le persone che soffrono e cercano disperatamente una via di fuga.

Disturbi nasce dall’esigenza intima di mettere a nudo gli archetipi di una società che spesso si rivela pessima nutrice ed eccellente carnefice, dalla quale ci è concessa la fuga ma non la piena assoluzione, che blandisce l’apologia, ma nega il perdono e pertanto galvanizza e appesantisce le sue vittime più fragili che invece vorrebbero librarsi in alto, in virtù di una lucida, anzi luminosa, follia.

 

-Giada Gambula ed Eduardo Manuale

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EICMA: “sfrecciando” fra i padiglioni

L’EICMA (Esposizione Internazionale Ciclo Motociclo e Accessori), meglio nota come Milan Motorcycle Show, è la più importante rassegna espositiva mondiale per le due ruote a motore. Si svolge ogni anno a Milano e quest’anno compie i 77 anni dalla prima edizione che ci fu nei primi anni del XX secolo. Il luogo della manifestazione è cambiato nel tempo: nel 1925 nel Palazzo della Permanente (noto centro culturale di Milano) fino a cambiare allestimento per la 21esima edizione (a causa della seconda guerra Mondiale) trasferendosi negli ampi spazi del Palazzo dell’Arte; infine dal 2000 si trasferisce nel mastodontico spazio di Rho-Fiera, poco fuori città. E’ proprio lì che siamo andati il 10 novembre (aperto al pubblico dal 7), in questo spazio che al primo sguardo ci appare enorme con ben otto padiglioni. 43 paesi rappresentati, 1887 brand presenti, modelli nuovi e non; entrando si percepisce l’importanza che quest’evento ha a livello mondiale. Incontriamo molti stranieri, famiglie e coppie, tutti giunti per osservare questi gioielli. Ducati, BMW, Moto Guzzi, Triumph e le imperdibili Harley Davidson sono solo alcune delle tantissime marche di moto lì presenti, tra cui molte eccellenze italiane che ci rendono noti in tutto il mondo. Bambini e adulti, per l’esattezza 800 mila visitatori, un concentrato di passione per il design, per l’adrenalina e per il motoveicolo. Un’offerta espositiva a tutto tondo, che quest’anno si è ampliata per la prima volta anche ai più piccoli con il progetto EICMA FOR KIDS, iniziativa che ha regalato a più di mille bambini l’emozione di provare gratuitamente moto e bici e apprendere i primi rudimenti della sicurezza stradale. Il Presidente dell’EICMA Andrea dell’Orto ha elogiato e ringraziato “tutti gli espositori e l’industria delle due ruote” rendendo l’effetto Moto-rivoluzionario (nonché tema di questa edizione) conclamato e di grande successo. Passeggiando fra i padiglioni ci colpisce la forte presenza di modelli elettrici; moto e motorini creati appositamente in linea con la nuova politica green che si sta cercando di adottare ultimamente. Questi modelli ci appaiono giovanili, leggeri, ma allo stesso tempo notevolmente studiati e sicuri. Del resto la tutela dell’ambiente è uno dei temi più attuali e lo stesso Premier Conte si è detto pronto a chiedere al mondo industriale e produttivo un green new deal. Nel testo della Legge di Bilancio 2020 sono stati previsti nuovi fondi di finanziamento statale e territoriale volti alla realizzazione di investimenti privati sostenibili. Anche il decreto clima e ambiente, che ha ottenuto il via libera del Consiglio dei Ministri ed è stato fortemente voluto dal Ministro dell’Ambiente Sergio Costa, prevede misure urgenti in materia di tutela della salubrità dell’aria, delle acque e delle aree metropolitane più colpite dall’inquinamento. Ho sicuramente apprezzato, in questa edizione dell’Eicma, la presenza e l’attenzione per questi nuovi modelli non inquinanti, significato di una maggiore sensibilità nei confronti dell’argomento. Proseguendo fra i padiglioni notiamo un grande spiazzo transennato e, al forte suono di una moto che sfreccia, comprendiamo subito che quello spazio è il noto Motolive. Quest’area è presente in ogni fiera motociclistica ed è dedicata a gare titolate, show acrobatici e momenti adrenalinici dove si possono osservare veri e propri esperti del mestiere che, con i loro spettacoli,  donano momenti di suspense. Tutto avviene con la massima competenza e sicurezza che questi atleti hanno acquisito negli anni. Concludendo la nostra giornata, arriviamo nell’ultimo padiglione in cui troviamo numerosi mercatini d’abbigliamento vintage a tema motociclistico: giacche di pelle, giacche da gara, caschi colorati di ogni genere, toppe, stivali e magliette delle più note marche di moto. Tutti interessati e incuriositi da quei capi che, anche se con un occhio da principiante, risultano trasgressivi e perfettamente indossabili anche se si guida una semplice e meno complicata bicicletta. Troviamo anche pezzi di ricambio, specchietti di ogni tipo e forma e tutti sono lì per curare la bellezza della propria moto; è ammirevole notare fra le persone quanta cura e attenzione c’è nel comprare pezzi di ricambio o semplicemente di ornamento per la moto, esattamente come se fosse una persona di cui prendersi cura. La giornata si conclude e torniamo a casa con la sensazione di aver vissuto in un mondo a parte, sognato di sfrecciare attraverso strade di montagna, attraversato strade desertiche o semplicemente di aver corso in sella accanto ad un pilota di MotoGP. E’ proprio questo che rende affascinante questo mondo: anche senza una conoscenza tecnica di modelli, cavalli o marmitte, caderne innamorati è facilissimo, l’idea di poter affrontare lunghi viaggi in sella e con il vento che ti accarezza il viso è a dir poco sublime. L’EICMA ci ha sicuramente rinfrescato la fantasia e l’immaginazione di poter correre via dalla nostra realtà quotidiana.

-Maria Chiara Petrassi

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MedFilm Festival: un mare fra Spagna e Palestina

Venerdì 8 novembre si è aperta a Roma la 25° edizione del MedFilm Festival, rassegna cinematografica che, prendendo le parole degli stessi organizzatori, vuole essere “un richiamo alla cultura del bello, del giusto, dell’equo, del reciproco, del diverso, dell’accolto”. Attraverso un vasto e variegato programma (diviso in numerose sezioni, fra corti e lungometraggi) il desiderio di chi lo ha promosso è quello di rappresentare storie, ambientazioni, sensazioni e immaginari universalmente mediterranei, ossia frutto di produzioni provenienti da ogni sponda del nostro Mare Interno.

“Il mare non lo scopriamo da soli e non lo guardiamo solo con i nostri occhi” scrisse il grande storico croato Pedrag Matvejevic nel suo “Breviario mediterraneo”. Tutte le civiltà nate e sviluppate sulle rive del Mediterraneo hanno osservato il loro mare anche e soprattutto per mezzo delle immagini e delle narrazioni che gli altri produssero. Noi oggi non siamo da meno. Ogni costa e ogni popolo parla al mare a modo suo. Ogni cinepresa registra un Mediterraneo differente, poiché questo mare “chiuso” può essere ammirato da angolazioni che regalano ambientazioni, culture, ragioni, colori e sensazioni sempre differenti. Dalle sponde nordafricane a quelle europee, dalle coste iberiche a quelle mediorientali, dalla Francia continentale alle terre di Israele, dall’intimo mar Adriatico al teso bacino orientale, da Gibilterra al Bosforo: non si assiste ad un unico Mediterraneo, ma a tanti quanti se ne possono vedere e narrare. “Non un unico paesaggio, ma innumerevoli paesaggi. Non un mare, ma un susseguirsi di mari. Non una civiltà, ma una serie di civiltà accatastate le une sulle altre” per citare un altro grande storico, Fernand Braudel.

Testimoniare la coesistenza di eterogenee esperienze mediterranee: questo è l’obiettivo del MedFilm Festival. Esperienze che oggi risultano politicamente fondamentali per poter affrontare coscientemente la crisi umanitaria e geopolitica che vede accomunate le due sponde, quella Nord e quella Sud. La sfida che intende portare avanti questa rassegna cinematografica, e che noi accogliamo con entusiasmo, è quella di proiettare un mare che sia di tutti, affinché nessuno possa dire che sia “nostrum”, di rappresentare questo “continente liquido” come un laboratorio di integrazione e coesione sociale e culturale. Una meta nient’affatto scontata alla luce dei nostri giorni, ma, ancor più per questo, un traguardo che l’Europa deve raggiungere insieme alle altre realtà politiche mediterranee.

Qualche altra parole merita l’immagine che compone la locandina ufficiale del festival, una perfetta sintesi spirituale e materiale del Mediterraneo. Una profonda distesa liquida dalla quale affiora energicamente una montagna candida, sulla quale sorge il volto di una città mediterranea che indirizza lo sguardo al proprio orizzonte, il mare, e che si compone dei diversi stili architettonici caratteristici del Mediterraneo. Perché la storia del Mediterraneo è la storia delle sue città, della sua tradizione urbana ineguagliata a livello globale: e proprio le città sono alcuni fra i protagonisti delle pellicole selezionate.

                                                                                  

It Must Be Heaven

Ho avuto l’onore di assistere all’apertura del festival e alla proiezione del primo film fuori concorso. “It Must Be Heaven”, scritto, diretto ed interpretato da Elia Suleiman, è l’epopea silenziosa e surreale di un palestinese che lascia la propria terra per dirigersi prima a Parigi e poi a New York, per rispondere ad una domanda: quando un luogo si può definire casa? Il nucleo della ricerca è inevitabilmente intorno al concetto di identità, ed emerge chiaramente come questa sia il prodotto complessivo sia di come ciascuno di noi si narra e si vede, sia di come gli altri ci narrano e ci vedono.

La recitazione di Suleiman è particolare, apparentemente passiva, il suo corpo è perennemente al centro dell’attenzione ma ci priva in maniera assoluta della sua voce. La volontà dell’autore è di immergerci in una realtà quotidiana, dai toni sfumati, di un pellegrino che riflette sulla propria provenienza, e per farlo decide di impacchettare una serie di sketch originali e mirati, ma che piuttosto raramente producono profondi sorrisi e risate. Non per questo il film non funziona, anzi riesce a dirigersi bene verso un finale gioioso, liberatorio, che celebra spensieratamente un orgoglio, quello palestinese.

La Virgen de Agosto

Il secondo film che ho avuto modo di visionare è una produzione spagnola (presentato come “August Virgin”), diretto da Jonàs Trueba, il quale, a quattro mani con l’attrice protagonista, ha scritto una storia estiva totalmente madrilena. In questa delicatissima pellicola lo spettatore è gettato in una Madrid torrida, per raccontare i 15 giorni agostani di una giovane donna (Eva) che, quasi come atto di fede, decide di rimanere nella sua città nei giorni in cui questa tende a svuotarsi ed affrontare alcune problematiche esistenziali che non ci vengono presentate, ma che si rivelano umanamente intuibili allo spettatore, il quale entra facilmente in empatia con la donna.

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Madrid è, al pari dei personaggi che nel corso dei giorni si affiancheranno ad Eva, una protagonista indiscussa, un ambiente vivo più che un semplice contorno offerto alle azioni dei vari personaggi. Eva decide di esplorare in lungo e in largo una città che già conosce per sperimentare un nuovo comportamento, per aggirarsi in cerca di qualcosa che le è sfuggito, per ottenere un nuovo sguardo, nuove immagini e categorie mentali con cui sciogliere i suoi dilemmi, per poi tracciare una nuova via da percorrere in quel settembre che sancisce la fine dell’estate e ci obbliga a trovare delle risposte. “La Virgen de Agosto” è un racconto intimo, a tratti mistico, ma che non perde mai il proprio realismo in quanto narra uno dei tanti momenti della nostra vita in cui lo scorrere del tempo ci sembra rallentare per darci la possibilità di porci le giuste domande e darci le (si spera) giuste risposte, giungendo magari a donarci una rivelazione inaspettata e proprio per questo tanto preziosa.

-Alessandro Berti

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Gran Premio d’Italia 2019

Dopo nove anni finalmente la Rossa torna a vincere in casa propria a Monza: davanti all’inferno rosso del Monza Eni Circuit i risultati sono due e sono contrastanti: l’uscita di pista e il pericoloso rientro della rossa di Sebastian Vettel, con conseguente penalità stop-and-go di 10 secondi, e la meravigliosa vittoria del giovane Charles Leclerc che finalmente può godersi la vittoria, la seconda strabiliante vittoria in carriera che interrompe i nove anni di sconfitta Ferrari nel circuito italiano. Ma la vittoria non è stata per niente semplice: sin dal primo giro le Mercedes sono state addosso a Charles che, stavolta senza alcun aiuto dal compagno di scuderia, si è dovuto difendere con qualsiasi mezzo disponibile prendendo anche una bandiera bianco-nera. È stata una gara da tachicardia sino all’ultimo secondo per i tifosi della scuderia di Maranello, fino alla fuga da Bottas negli ultimi istanti dove la strategia soft-hard si è rivelata quella vincente. Il pilota monegasco ha vinto a Spa e ora vince a Monza, continuando a battere i record: se a Spa era divenuto il pilota più giovane a conquistare un gran premio con la rossa di Maranello, ora è diventato il “predestinato” che ha riportato la Ferrari sul gradino più alto del podio di casa dopo Fernando Alonso nel 2010; Leclerc fa inoltre un back to back Spa-Monza che ha come precedente Michael Schumacher nel 1996, compiendo un’impresa da gigante che lo affianca a Nigel Mansell, Damon Hill, Mika Hakkinen e Lewis Hamilton i quali vinsero a loro volta i primi due gran premi con un back to back. Gara non totalmente da buttare per Verstappen che, nonostante il contatto in partenza e il pit stop assolutamente necessario, riesce comunque ad arrivare ottavo e a guadagnare qualche punto e lo stesso avviene per il nuovo compagno di scuderia Alexander Albon, arrivato sesto. Super gara anche da parte delle Renault di Ricciardo e Hulkenberg, arrivati rispettivamente quarto e quinto, mentre per l’ex ferrarista Kimi Raikkonen questo weekend non è stato il massimo: va due volte a muro in due giorni nello stesso punto. E se Giovinazzi oggi ha portato in alto l’orgoglio italiano arrivando ottavo e diventando il primo pilota italiano a fare punti sul tracciato italiano a 13 anni di distanza da Jarno Trulli, oggi non si può proprio dire lo stesso di Vettel, che al sesto giro esce di pista e si gira, ma la cosa grave non è quella: nel rientrare frettolosamente in pista ha avuto un contatto con Lance Stroll che, a sua volta, è uscito di pista e nel rientrare ha costretto ad andare fuori anche la Toro Rosso di Pierre Gasly. Nonostante tutto, chi doveva essere penalizzato è stato penalizzato e chi doveva essere premiato lo è stato, in special modo Leclerc: reduce della vittoria non festeggiata a Spa, finalmente a Monza ha potuto scatenare tutte le sue emozioni e sfoggiare il trofeo di fronte alla marea rossa di tifosi, con l’inno monegasco e l’inno di Mameli nelle orecchie e nel cuore.

 

-Claudia Crescenzi

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Le streghe del Conte bis

Rigetta l’apatia e lo status quo.

Fallo quotidianamente.

Non partecipare e basta. Fatti avanti. Sii un’autorità, comunica avendo fiducia in te stessa, con razionalità. Rispondi alle domande con risposte, non con altre domande e pretendi che anche gli altri facciano altrettanto.

Fatti comprendere e comprendi. Senza tregua, rifiuta sempre la strada più comoda. Ascolta e sostieni le culture diverse e cerca di trasformare ogni spazio in un luogo inclusivo. Impara dai tuoi avversari e mantieni la mente aperta.

Rispetta il passato, cambia il futuro.

Questo è un estratto dell’Emily’s List,organizzazione americana che si occupa della formazione delle donne per la politica e le cariche pubbliche, perché anche le donne sono in grado e devono far sentire la propria voce rivestendo alti incarichi.

Nel governo Conte bis le ministre non sono poche. Fino ad ora, però, hanno fatto parlare di sé solo tramite gossip e insulti sessisti che ne infangano la storia, i curricula e le idee. Vediamole oggi per come vorrebbero e, soprattutto, dovrebbero essere conosciute: come persone in grado di occupare ruoli di potere. Su 21 ministri il governo Conte bis presenta sette ministre, di cui tre senza portafoglio. Partiamo proprio da loro.

Paola Pisano, classe ‘77 appartenente al Movimento 5 Stelle, è la ministra dell’Innovazione tecnologica e della digitalizzazione. Nel 2019 ha rifiutato il ruolo di capolista alle elezioni europee per il Movimento Cinque Stelle per continuare a svolgere il suo lavoro: professoressa ordinaria per l’Università degli Studi di Torino e assessore all’Innovazione del Comune di Torino. Oggi, dopo essere stata nominata donna più influente nel digitale italiano, dopo un lungo testa a testa con Samantha Cristoforetti, scherza sul suo incarico con vignette: la voglia di fare e di non fermarsi, insieme all’autoironia, sembrano prerogativa della neoministra.

Sebbene a differenza di altre ministre che vedremo in seguito non si sia trovata al centro della gogna mediatica, si è parlato molto anche del suo abbigliamento.

«Si è presentata al giuramento del nuovo Governo Conte senza indossare il classico tailleur nero che per le donne sarebbe quasi di ordinanza. » hanno scritto alcune testate online «Fiera e consapevole di dover rappresentare un elemento di differenza e progresso all’interno della neonata compagine di governo, la Pisano ha giurato indossando una camicia bianca e un paio di pantaloni palazzo con motivi geometrici in bianco e nero. » In fondo il progresso di una nazione intera inizia da ciò che si sceglie di tirare fuori dall’armadio in uno dei giorni più importanti della propria vita, mica dal curriculum con cui si rivestirà tale incarico.

Un’altra ministra pentastellata è Fabiana Dadone, alla quale è stato affidato il dicastero della Pubblica Amministrazione. Piemontese  e trentacinquenne, entra nelle file del Movimento Cinque Stelle di Cuneo fin dagli albori, facendo parlare di sé fin dal 2012. Laureata in Giurisprudenza, porta avanti da tempo la lotta per le pari opportunità e, da circa un anno, è referente della piattaforma Rousseau. Entrata a far parte della Camera dei Deputati a neanche trenta anni, è una dei probi viri del Movimento Cinque Stelle il quale ha scelto di raccontare la sua esperienza di  vita politica nel libro Oltre lo tsunami di Ergys Haxhiu. Idolatria gratuita o un esempio  lampante della politica successiva al 2010? Ai posteri l’ardua sentenza.

L’ultima ministra senza portafoglio è quella che maggiormente ha segnato una cesura rispetto al governo precedente: Elena Bonetti prende il posto di Lorenzo Fontana prima e di Alessandra Locatelli poi nel dipartimento delle politiche della famiglia, alla quale, però, stavolta è affidata anche la delega per le pari opportunità, ambito che risultava del tutto sconosciuto nel governo gialloverde.

Elena Bonetti è lombarda ed è la prima ministra del Partito Democratico che incontriamo in questo elenco. È nata nel 1974 e si è laureata in Matematica all’Università degli Studi di Pavia dove ha conseguito il dottorato, è divenuta assistente prima e professoressa associata poi. Vicina all’area cattolica, si distingue nel PD soprattutto con l’arrivo di Matteo Renzi, entrando a far parte della seconda segreteria unitaria diventando responsabile dei giovani e della formazione.

Sostiene l’istituzione di un salario minimo garantito e di agevolazioni fiscali per famiglia con figli, appoggia l’idea di incentivi per il diritto allo studio e quella del servizio civile obbligatorio per un mese. Vorrebbe ridurre l’emigrazione dei giovani italiani e, al tempo stesso, sostiene lo Ius Soli e l’idea di una accoglienza sana e diffusa per quanto riguarda le dinamiche relative all’ambito dell’immigrazione. È stata una dei responsabili dell’AGESCI, l’associazione a cui fanno capo le guide e gli scout cattolici. Una cristiana cattolica tutta chiesa e paraocchia? Assolutamente no. La sua investitura al ministero della famiglia, già demonizzata da Simone Pillon come “un favore alla lobby gay”, speriamo, come già abbiamo avuto modo di scoprire in passato,si riveli tutt’altro che antiquata e bigotta. Risale al 2014, infatti, la Carta del Coraggio, lettera che la Bonetti scrisse a quattro mani con Don Andrea Gallo per richiedere allo Stato di riconoscere le unioni gay e alla Chiesa di aprire gli occhi e rivedere le posizioni sugli omosessuali, ma anche sui divorziati. Molto attiva sui social, non ha mancato di rispondere alle critiche avanzate alla collega Teresa Bellanova. «È più forte di ogni meschinità e bassezza. Noi siamo con lei. » afferma, infatti, sotto ad un selfie scattato insieme. Contemporaneamente, però, non dimentica di rispondere alle critiche lanciate proprio contro di lei da Aldo Cazzullo, ben presto cancellate dalla testata online in cui erano comparse, Libero Quotidiano, a proposito di un presunto piercing sulla lingua.

Continuiamo la carrellata di ministre, più o meno attaccate da politici e giornalisti di calibro più o meno elevato, a seconda delle circostanze e dei giudizi e dei pregiudizi lanciati.

Luciana Lamorgese, nuova ministra dell’interno che ha fatto parlare di sé specialmente per non essere parte viva e attiva del ciclone dei social media, nonché per non essersi trovata a ballare, magari in bikini, al Papeete Beach, provando ad inseguire la fama del suo predecessore. Nata a Potenza nel 1953, laureata in Giurisprudenza, avvocata e prefetta. È la terza donna a ricoprire la carica di ministra dell’Interno in Italia dopo Rosa Russo Iervolino nel primo governo D’Alema fra il 1998 e il 1999 e Annamaria Cancellieri in quello Monti fra il 2011 e il 2013. È l’unico membro del governo non appartenente ad alcun partito politico e a non aver mai preso parte attiva alla vita politica del nostro Paese. Durante il mandato in prefettura a Milano, voluto da Marco Minniti, ha organizzato 127 sgomberi soprattutto di immigrati e tossicodipendenti e, nel periodo in cui ricopriva il suo incarico, nell’area interessata si è registrato un calo dei reati tanto da guadagnarsi una targa di ringraziamento da parte del suo predecessore Matteo Salvini.

Nel corso del biennio 2015- 2017 si è occupata di gestire il piano dei comuni che ospitano richiedenti asilo e di prendere parte attiva alla realizzazione dei primi hotspot di accoglienza ai rifugiati.

«Bisogna accogliere nelle regole» è il modus operandi della ministra che sembra essere dotata di una forte capacità di giudizio salomonica: non dobbiamo, pertanto, fare altro che dare fiducia a lei e al presidente Sergio Mattarella che l’ha voluta fortemente nel nuovo governo.

Ministro del lavoro e delle politiche sociali è, invece, Nunzia Catalfo. Classe 1967, diplomata al liceo scientifico e specializzata come orientatore e selezionatore del personale, progettista e tutor di percorsi e- learning e stenotipista, la ministra pentastellata, senatrice dal 2013, si è distinta durante la progettazione del reddito di cittadinanza e salario minimo. Proprio per questo, fra le ministre, è quella che maggiormente potrebbe trovarsi in disaccordo con la politica del PD: non solo il partito con cui si trova a condividere il governo non ha mai visto di buon occhio il progetto del reddito di cittadinanza, ma la stessa Catalfo, più di una volta, si è rivelata dichiaratamente antieuropeista.

Dulcis in fundo, le perle del governo. Quelle che non hanno fatto in tempo neppure ad insediarsi che già sono state prese di mira per ogni minima caratteristica della loro apparenza, del loro vestiario, del loro curriculum.

Teresa Bellanova non ha fatto neanche in tempo a giurare che già è stata schernita. Prima il vestito lungo blu elettrico che non andava bene alla sua corporatura massiccia. Ciò che è risaltato immediatamente è, però, che non importa quanta fatica una donna ci metta nel crearsi un ruolo, nel portare avanti una carriera e nel trovarsi una buona posizione da sola: qualsiasi dote passerà in secondo piano a causa del vestito più o meno sbagliato o della forma fisica più o meno appagante. Una situazione totalmente rovesciata, invece, è quella che si è trovata a vivere Paola De Micheli: se provaste a digitare il suo nome su Google, fra le ricerche suggerite uscirebbe anche “paola de micheli scosciata da infarto”. Giudicato troppo sexy il suo outfit «da ignobili attacchi social» come li ha definiti lo stesso Giuseppe Conte nel corso della richiesta di fiducia alla Camera dei Deputati stamattina. Il silenzio referenziale nei confronti delle due ministre messe alla gogna mediatica da parte dell’opposizione in aula, dopo la confusione che si era creata negli attimi immediatamente precedenti, fa quasi sperare in un minimo di umanità.

Teresa Bellanova, è stata, però, attaccata anche perché priva di un titolo di studio meritevole, all’infuori del diploma di terza media. Nata nel 1958 in un piccolo comune pugliese che, ad oggi, non arriva neppure alle 20000 anime, oggi riveste il ruolo di ministra per le politiche agricole, alimentari e forestali. È vero, la ministra Bellanova è priva di laurea, ma conosce meglio di molti altri individui dotati di titoli di studio cum laude il suo settore: una volta ottenuto il diploma di terza media è divenuta bracciante a soli 14 anni e da quel momento, lavorando duramente e vivendo in prima persona la vita di tutti coloro che effettivamente dipendono dai provvedimenti che deciderà di emanare il suo ministero, si è distinta nell’ambito dei sindacati, da Federbraccianti alla Flai fino alla Filtea intraprendendo una fervente attività politica a partire dal 2006.

L’ultima ministra di cui parliamo, l’ultima di questo secondo governo Conte, è Paola De Micheli, che, oltre ad essere finita nel mirino per il suo aspetto valutato provocante da alcuni militanti di Casapound, è anche laureata in Scienze Politiche, è una manager ed è un soggetto attivamente politico dalla seconda metà degli anni Novanta. Anche.

Ha avuto numerosi incarichi parlamentari, è stata Sottosegretario di Stato al Ministero dell’Economia e delle Finanze nel governo Renzi del 2014 e in quello di Gentiloni del 2017 e oggi è chiamata a succedere Danilo Toninelli nel ministero delle Infrastrutture e dei Trasporti.

 

-Beatrice Tominic

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Ciao Anthoine

I motorsports sono sempre stati pericolosi, ma spesso lo si ricorda solo quando accade una tragedia, come quella dello scorso sabato in Formula 2 dove ha perso la vita il pilota Anthoine Hubert a soli 22 anni, a 34 di distanza dall’incidente di Stefan Bellof che ebbe il suo stesso destino. L’incidente è avvenuto all’Eau Rouge, il punto più pericoloso e leggendario del circuito di Spa; nonostante negli ultimi decenni la sicurezza abbia fatto passi da gigante e siamo quindi abituati a vedere i piloti uscire sulle proprie gambe anche dopo incidenti a velocità assurde, la percentuale che una tragedia possa purtroppo accadere rimane sempre: simili tragedie sono capitate a piloti leggendari, come Villeneuve e Senna, ma accadono anche alle promesse come a Bianchi e Hubert. Su Instagram tutti i piloti hanno espresso il loro cordoglio per questa perdita e lo stesso Lewis Hamilton ha scritto un messaggio per ricordarci quanto pericolosa possa essere la Formula 1: “Se anche una sola persona di voi che guardate e apprezzate questo sport pensa anche solo per un secondo che ciò che facciamo non sia pericoloso sbaglia di grosso. Tutti questi piloti mettono la loro vita in gioco quando scendono in pista e le persone devono apprezzarlo in maniera seria perché non è apprezzato abbastanza. Né dai fan e neppure da alcune persone che lavorano in questo sport. Per quanto mi riguarda Anthoine è un eroe per aver corso il rischio di inseguire i propri sogni. Sono così triste che ciò sia accaduto. Portiamolo in alto e ricordiamolo. Riposa in pace fratello”. Domenica si correva per Anthoine e tutti i piloti lo hanno portato sulla propria vettura con uno o più adesivi, ma il regalo più bello è stato fatto senza dubbio da Charles Leclerc, che, visibilmente commosso, ha dedicato la sua prima vittoria nella classe regina all’amico. Un weekend denso di emozioni e difficile da raccontare, dove si sono intrecciate la tragica fine del giovane Hubert e la narrazione della prima vittoria di un predestinato come Leclerc, due amici, due ragazzi con il sogno di correre, ai quali il destino ha riservato due strade amaramente diverse. Ciao Anthoine.

 

-Claudia Crescenzi